{"id":388238,"date":"2025-07-11T12:13:16","date_gmt":"2025-07-11T10:13:16","guid":{"rendered":"https:\/\/www.cined.com\/?p=388238"},"modified":"2025-07-11T17:56:51","modified_gmt":"2025-07-11T15:56:51","slug":"extra-shot-for-safety-yes-or-no-various-approaches-to-coverage","status":"publish","type":"post","link":"https:\/\/www.cined.com\/es\/extra-shot-for-safety-yes-or-no-various-approaches-to-coverage\/","title":{"rendered":"Toma Extra por Seguridad, \u00bfs\u00ed o no? – Diversos enfoques de la cobertura"},"content":{"rendered":"\n

“Esto estuvo genial, vamos por la cobertura!” \u00bfCon qu\u00e9 frecuencia escuchas o dices esta frase en el set? \u00bfAlguna vez te has encontrado en la sala de edici\u00f3n sin suficiente material para completar la escena? \u00bfO, por el contrario, grabando de m\u00e1s, sabiendo que de todas formas descartar\u00e1s la mitad de los \u00e1ngulos en la postproducci\u00f3n? Claro que no hay un \u00fanico enfoque correcto para la cobertura. Var\u00eda seg\u00fan la escena, la situaci\u00f3n y las preferencias personales. Entonces, \u00bfcu\u00e1ndo vale la pena realizar una toma extra? \u00bfQu\u00e9 puede realzar o, por el contrario, destruir? Analicemos a varios cineastas de nuestro tiempo y c\u00f3mo abordan este tema, e intentemos encontrar las respuestas juntos.<\/strong><\/p><388238-inline-buylinks\/>\n\n\n\n

El reconocido director de cine alem\u00e1n Werner Herzog dijo una vez<\/a> que ve la pel\u00edcula terminada desarrollarse en su mente. En sus palabras, otros directores a veces no saben lo que hacen, por lo que posponen sus decisiones a la postproducci\u00f3n, y eso est\u00e1 bien; Pero no para Werner Herzog, porque \u00abhay muchos aspectos esenciales -el ritmo de una pel\u00edcula, la calidad de la actuaci\u00f3n, el enfoque en el personaje equivocado- que no se pueden arreglar en la posproducci\u00f3n. Es mejor tomar las riendas en el set y hacerlo all\u00ed mismo\u00bb.<\/p>\n\n\n\n

Suena duro, \u00bfno? Sin embargo, hay algo de cierto en sus palabras. Al mismo tiempo, algunos directores discrepar\u00edan y optar\u00edan por un enfoque diferente para la cobertura. Al fin y al cabo, hacer cine es arte, y el arte siempre es subjetivo. \u00bfQu\u00e9 opciones hay?<\/p>\n\n\n\n

Principios universales de la cobertura<\/strong><\/h2>\n\n\n\n

Comencemos con algunos principios universales que se aprenden en la escuela de cine. En el curso de MZed sobre \u00abDirecci\u00f3n de Movimiento\u00bb<\/a>, el director de anuncios y ganador del Premio Pulitzer, Vincent Laforet<\/a>, nos gu\u00eda a trav\u00e9s de las ideas principales detr\u00e1s de la cobertura.<\/p>\n\n\n\n

En primer lugar, deber\u00eda darte algunas salidas. Normalmente, nos esforzar\u00edamos por planificar meticulosamente un rodaje siempre que fuera posible (dejemos de lado por ahora las pel\u00edculas de eventos o los documentales de viajes). El mejor escenario posible es cuando un director sabe c\u00f3mo montar una escena antes de rodar, como en la cita de Werner Herzog. Pero las cosas no siempre salen seg\u00fan lo planeado.<\/p>\n\n\n\n

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El enfoque se distorsiona, los actores se equivocan al escribir, aparecen equipos de filmaci\u00f3n en el plano, suceden multitud de cosas. Y la idea detr\u00e1s de la cobertura es que si se filma una escena al menos tres veces seguidas y luego una inversa, siempre se tendr\u00e1 suficiente material para encubrir los errores.<\/p>\nUna cita de Vincent Laforet del curso MZed<\/a><\/cite><\/blockquote>\n\n\n\n

En segundo lugar, un enfoque de cobertura especialmente dise\u00f1ado puede ayudar a aumentar la intensidad de la escena y hacerla m\u00e1s atractiva. Seg\u00fan una convenci\u00f3n cl\u00e1sica, esto se logra pasando de un plano general a uno medio y luego a uno cerrado. Como explica Vincent, en un plano general se establece la geograf\u00eda de la escena y se ayuda al p\u00fablico a orientarse en el espacio. En un plano medio, el enfoque se centra en un individuo en particular, present\u00e1ndolo a los espectadores. As\u00ed, la c\u00e1mara puede enfocar con mayor precisi\u00f3n, conect\u00e1ndonos con las emociones del personaje al mostrar sus ojos con mayor claridad.<\/p>\n\n\n\n

Claro que es m\u00e1s una tradici\u00f3n que una regla establecida. Hay millones de maneras creativas y poderosas de romperla. Sin embargo, si est\u00e1s empezando, abordar tu cobertura de esta manera podr\u00eda ser la primera opci\u00f3n.<\/p>\n\n\n\n

Abundancia din\u00e1mica en el enfoque de la cobertura<\/strong><\/h2>\n\n\n\n

\u00a1Bienvenidos! En el rinc\u00f3n de “sobreimpresi\u00f3n”, tenemos a… \u00a1Michael Bay<\/a>! Empecemos con su ejemplo, ya que parece ser su estilo caracter\u00edstico. El director de “Transformers” es conocido por rodar muy r\u00e1pido y usar una orquesta de c\u00e1maras para capturar planos generales, medios, primeros planos, puntos de vista y mucho m\u00e1s simult\u00e1neamente (quiz\u00e1s exagero, pero es s\u00f3lo para aclarar). Por ejemplo, en la serie de Netflix “6 Underground”<\/a>, utilizaban hasta diez c\u00e1maras a la vez para secuencias de acci\u00f3n m\u00e1s extensas, seg\u00fan el director de fotograf\u00eda de la serie, Bojan Bazelli<\/a>. Utilizaron hasta ocho c\u00e1maras Red con diferentes lentes, adem\u00e1s de c\u00e1maras de choque de formato peque\u00f1o como la GoPro Hero, la Sony a7s y el iPhone X.<\/p>\n\n\n\n

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Fuente de la imagen: The ASC<\/figcaption><\/figure>\n\n\n\n

Para escenas como esta, es necesario filmar desde m\u00faltiples \u00e1ngulos en simult\u00e1neo, ya que implican acrobacias dif\u00edciles y efectos especiales que requieren mucho tiempo y dinero para reajustar. Adem\u00e1s, cualquier coordinador de especialistas desaconsejar\u00eda repetirlos innecesariamente<\/a>, ya que son peligrosos. Es parte del sentido com\u00fan, y la mayor\u00eda de los directores estar\u00edan de acuerdo.<\/p>\n\n\n\n

Pero a Michael Bay tambi\u00e9n le encanta introducir un enfoque multic\u00e1mara en otras secuencias, \u00bfpor qu\u00e9? Para mantener la energ\u00eda tanto en el set como en la postproducci\u00f3n. Las tomas cortas y eficientes ayudan a los actores a mantenerse en el momento, y los editores obtienen mucho material en bruto con el que experimentar. Es indiscutible que Michael Bay es famoso por su estilo de edici\u00f3n extremadamente din\u00e1mico (incluso lo llamar\u00eda visualmente sobreestimulante) y filmar mucho es lo que ayuda a lograrlo.<\/p>\n\n\n\n

La ruta maximalista de la cobertura<\/strong><\/h2>\n\n\n\n

Algunos dir\u00e1n: “Bueno, ahora que filmamos digitalmente, podemos trabajar con la cobertura de forma m\u00e1s flexible”. Sin embargo, no se trata solo del tipo de datos y sus limitaciones. Hay otros cineastas legendarios que adoptaron un enfoque maximalista incluso en el pasado, en el cine. Un ejemplo destacado es Peter Jackson<\/a> y su flujo de trabajo en la trilog\u00eda de \u201cThe Lord of the Rings<\/a>\u201d.<\/p>\n\n\n\n

Quiz\u00e1s hayan o\u00eddo hablar de su costumbre de rodar desde tantas c\u00e1maras y \u00e1ngulos como fuera posible para garantizar la flexibilidad editorial. Adem\u00e1s, en las filmaciones, Peter Jackson se hizo famoso por exigir numerosas tomas de escenas, gritando repetidamente “\u00a1Una m\u00e1s para tener suerte!”. Cuenta la an\u00e9cdota que Christopher Lee, quien interpret\u00f3 a Saruman, coment\u00f3 que ten\u00eda que hacer doce tomas para una escena. M\u00e1s tarde, Ian McKellen (interpretando a Gandalf) le rest\u00f3 importancia, diciendo que hab\u00eda hecho 24 tomas para dos l\u00edneas el d\u00eda anterior.<\/p>\n\n\n\n

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