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Sundance 2020: Con el foco puesto en Robert Leitzell, director de fotografía de “Black Bear”

Enero 25, 2020
Sundance 2020: Con el foco puesto en Robert Leitzell, director de fotografía de "Black Bear"

Destinada a ser una obra que complacerá a los cineastas, Black Bear es la historia de un director que diluye la línea entre el arte y la realidad. La protagonista, interpretada por Aubrey Plaza, lleva a la audiencia a su búsqueda de revitalización creativa, que persigue a través de la manipulación de la vida real de una pareja casada que la recibe en una remota casa lacustre en los Adirondacks. Black Bear es una de las diez películas en la categoría NEXT del Festival de Cine de Sundance. A continuación está nuestra entrevista con el director de fotografía de la película, Rob Leitzell.

Aubrey Plaza y Christopher Abbott aparecen en Black Bear. Cortesía del Instituto Sundance | foto de Rob Leitzell.

Nombre: Robert Leitzell
Película: Black Bear (dir.Lawrence Michael Levine)
Categoría de competencia: NEXT
Cuerpo de cámara: Arri Alexa Mini
Lentes: Cooke Speed Panchro

cinema5D: ¿Dónde comenzó tu conexión con las cámaras?
RL: Mi papá era un ávido fotógrafo aficionado y tomó miles de fotos cuando viajaba por trabajo. Me dejó usar su cámara cuando era niño, finalmente me compró la mía. Seguí tomando fotos hasta la universidad, pero prácticamente aprendí solo con los libros de Ansel Adams. Aprender con su sistema de impresión en el cuarto oscuro fue una obsesión de años.

cinema5D: ¿Entonces estuviste orientado artísticamente desde el principio?
RL: De niño quería ser artista pero no mostraba mucho talento para dibujar o pintar, así que aprendí a trabajar con mis manos: aprendiendo carpintería y construcción para el teatro de mi escuela. Cuando estaba en la universidad, dibujaba y diseñaba escenarios. Así conseguí un trabajo ayudando a un grupo de jóvenes cineastas a diseñar y construir sets para una ópera que estaban escribiendo.

cinema5D: ¿Cuál fue tu especialización en la universidad?
RL: De alguna manera me especialicé en “Fotografía y Arte Escénico” en la Universidad Wesleyan.

cinema5D: ¿Y ahí fue donde construías los sets?
RL: Construí sets desde 2003 a 2008 más o menos… tanto en la universidad como después durante un tiempo para un amigo en Columbia Grad.

Fotos del detrás de escena de Black Bear, por Erika Svensson y Katie Grant.

cinema5D: Volviendo a los cineastas que escribían óperas. ¿Ellos fueron tu puerta de entrada al mundo del cine?
RL:  Esa experiencia y las fotos que tomé de su espectáculo me llevaron a filmar algunas de sus películas como estudiantes. Descubrí que mi experiencia como fotógrafo me daba un buen comienzo como director de fotografía. Grabé cortometrajes y videos musicales para ellos durante varios años. Luego, trabajé aparte para ganar dinero, hasta que me inscribí en la NYU Grad Film para estudiar dirección.

cinema5D: ¿Cómo fue tu experiencia en el programa de dirección de la NYU?
RL:  Conocí personas realmente talentosas y excelentes profesores en la NYU, pero dirigir me estresó. No sentía que tenía el talento como escritor que la NYU esperaba de sus directores, así que abandoné y aproveché la oportunidad de ir a trabajar en Beasts of the Southern Wild con muchos de mis amigos, lo cual me resultaba un camino de vida bastante convincente. Mi experiencia en el arte y el diseño me llevó a varios trabajos como Director Técnico y Director de Fotografía de efectos visuales, que alternaba con una dirección de fotografía narrativa más tradicional. Durante los últimos años, me enfoqué completamente en esa veta de trabajo más tradicional. Me encanta, pero no ha sido un camino particularmente derecho.

Fotos del detrás de escena de Black Bear, por Erika Svensson y Katie Grant.

cinema5D: ¿Qué películas realmente te han inspirado? ¿Algún director de fotografía o director favorito?
RL: En un comienzo (me inspiraron) muchos maestros del blanco y negro: 8 1/2 de Fellini, La Pasión de Juana de Arco, de Dreyer, Sunrise, de Murnau, M de Fritz Lang, El hombre con una cámara de cine de Dziga Vertov,..
Y entonces descubrí el color: Terrence Malick y Wong Kar-wai. Sus respectivas Badlands / Days of Heaven / Thin Red Line / The New World y Chungking Express / Happy Together / In the Mood for Love / 2046 son a los que vuelvo frecuentemente. Los últimos cinco años más o menos han sido Kaurismaki, Cassavettes, Assayas, Apichatong. Esos son los más cracks para mí, ¡pero hay más! Me encanta cómo cada película me da pistas sobre cosas nuevas. Black Bear realmente me hizo conocer a Maurice Pialat y Hong Sang-soo.

cinema5D: ¿Esos eran los directores que Lawrence Michael Levine quería que vieras como referencia?
RL:  Lawrence me habló del increíble trabajo de Hong Sang-soo, y vimos el trabajo de Maurice Pialat, específicamente Loulou y A Nos Amours. Hablamos mucho sobre Olivier Assayas, que tiene un feeling de trabajo increíble con la cámara en todas sus películas (y ha tenido a muchos directores de fotografía excelentes). Vimos y volvimos a ver un montón de películas de Assayas, porque él mueve la cámara como nadie.

cinema5D: ¿Estuvieron los dos de acuerdo en lo que querían y lo que no?
RL: Honestamente, entramos en el proceso con mucha confianza y admiración mutuas, y estuvimos más o menos en la misma sintonía desde el principio.

cinema5D: ¿Qué consejo puedes darle a los directores sobre cómo optimizar sus relaciones con sus directores de fotografía?
RL: Suelo intentar ver aquellas películas que un director encuentra inspiradoras o fascinantes, o que tienen una vibra similar, pero todos los tipos de arte visual pueden ser útiles. Lo que trato de encontrar es un vocabulario básico para la película que podamos usar para comunicar conceptos y emociones complicadas de manera rápida y específica cuando estamos cansados ​​o estresados, ​​o tenemos poco tiempo. Decir “hazlo como lo hace tal” puede ahorrarnos fácilmente diez minutos de conversación si hemos hecho la tarea por adelantado. La lista de tomas y el storyboard pueden ser útiles, pero siempre debes estar listo para salirte de ese marco si surgen mejores oportunidades.

Tener un director interesado en mantener los canales abiertos y unificar el enfoque visual en todos los ámbitos es un elemento necesario para hacer un trabajo hermoso. Me parece que ver el set armado siempre es realmente inspirador, y siempre llega, necesariamente, bastante tarde en el proceso. (Tengo la suerte de estar casado con una diseñadora de producción y de vestuario realmente talentosa, que me ha enseñado mucho sobre el proceso creativo).

Fotos del detrás de escena de Black Bear, por Erika Svensson y Katie Grant.

A lo largo de los años, he descubierto que gran parte del trabajo del que estoy más orgulloso, visualmente, es sorprendente debido a un esfuerzo realmente hercúleo por parte de los otros departamentos en el set. Los cineastas suelen sentirse menos fluidos y cómodos con los aspectos de arte / vestuario / peinado y maquillaje del proceso, y creo que los limita en sus capacidades. Poder colaborar estrechamente con esos jefes de departamento es una experiencia increíble para mí. No estoy particularmente interesado en llegar a una película y seguir un enfoque unilateral de lo que creo que la dirección de fotografía “debería ser”. Realmente prefiero tratar de encontrar una manera de hacer que lo que veo para una película se ajuste a la visión del director, de un diseñador de producción, y así sucesivamente.

cinema5D: ¿Fueron las personas de este equipo de producción en particular lo que te atrajo para que trabajes en Black Bear? RL:  Es complicado, porque al final del día son las personas del equipo de producción quienes consiguen lo que necesito para hacer mi trabajo en el set, y en este caso, nunca había conocido o trabajado con nadie de producción. (Lawrence y yo) nunca habíamos trabajado juntos como Director / Director de fotografía, pero me gustó tanto la forma en que me habló de esta película que probablemente lo habría hecho con cualquier presupuesto y cualquier cronograma. Simplemente creí en eso desde el primer momento. En este caso, tuve la suerte de contar con el apoyo y el talento de un gran elenco y equipo, lo que siempre es especial.

cinema5D: ¿Y el guión te hizo creer en él desde el principio?

RL: Normalmente, siento que necesito leer un guión dos o tres veces para entender realmente cuál debería ser mi enfoque, pero en este caso, la película me resultó brillante en la primera lectura. El guión fue tan emocionalmente intenso y estructuralmente distinto que llamó mi atención de inmediato. Hubo otras cosas, por supuesto. Una sola locación puede ser una bendición. Tener esa locación en un hermoso lago en el norte del estado de Nueva York durante los calurosos meses de verano tuvo una atracción para mí y para muchos miembros de nuestro talentoso equipo.

cinema5D: Hablemos de preproducción. ¿Cómo se prepararon tú y Lawrence?
RL: La preproducción fue una carrera. El cronograma ajustado no permitía un gran scouting tecnológico, y la locación ya estaba decidida cuando me sumé. Sin haber hecho un scouting con el director o tener buenos planos de planta, fue bastante difícil hacer una lista de planos particularmente elaborada. Realizamos ese proceso para escenas que exigían un enfoque claro, solo para tener una estructura y poder hablar a través de una serie de diferentes maneras de abordar las escenas.

Sin embargo, por lo general pasamos mucho tiempo hablando sobre la sensación de ciertas escenas, el lenguaje general de la película, qué tipo de tomas nos gustaban, qué queríamos evitar. Estábamos listos para trabajar rápidamente a partir de esa especie de biblia general de rodaje cada día.

El cronograma de pre-producción limitado también le dio dolores de cabeza a mi maravilloso equipo de G&E, que trabajaba en una locación difícil, con un horario ajustado: no había tiempo para poner nada en las paredes, reflejos de las ventanas, y un pequeño equipo para lidiar con eso. Lo hicieron genial.

cinema5D: ¿Alguna filosofía personal para dirigir el departamento de cámaras?
RL: No soy particularmente dogmático en mi enfoque, y trato de mantenerme lo más flexible posible. Es obvio que cada película requiere diferentes cosas visualmente, pero creo que eso también es cierto emocionalmente, y requiere mucha paciencia y sutileza para ubicarte en el lugar correcto. Intento ser lo más amigable y positivo posible en el set. Busco un equipo que sea amigable y amable, y que tenga una mentalidad artística y creativa. Confío mucho en mi equipo como colaboradores activos en una visión compartida. En cierto momento en cualquier rodaje habrá momentos en los que sentirás que tu energía disminuye, o que tu visión se desenfoca, y es de gran ayuda que todos los que te rodean comprendan la belleza y la especificidad de esta película, y en este momento.

Fotos del detrás de escena de Black Bear, por Erika Svensson y Katie Grant.

También sé que cada error en una película me irritará y atormentará durante años: en la edición, en el etalonaje, en el estreno, etc. Siempre vale la pena hacerlo bien, pero nunca vale la pena hacerlo de una manera que no se respete el grado de trabajo físico. El cine es emocional y físicamente agotador. Trabajo duro para no desperdiciar el esfuerzo de los demás, y trato de hacer que el momento en el set sea cómodo y divertido.

cinema5D: ¿Hay algún factor decisivo que haga que alguien sea expulsado de tu equipo?
RL: No vuelvo a contratar a algún miembro que tuvo una mala actitud o que no está a la altura de los desafíos del trabajo. Cuando tienes a alguien con alguno de esos problemas, creo que es importante trabajar para reemplazarlo lo más rápido posible. Mantener a las personas que son un lastre es injusto para la profesionalidad y el trabajo de todos los demás en el set.

cinema5D: ¡Suena justo! ¿Por qué decidiste optar por la Alexa Mini?
RL: Es difícil encontrar una razón para no usar la Alexa Mini en este momento. Dejemos de lado las ventajas técnicas, que son formidables. También es una cámara que conozco tan íntimamente que se convierte en una herramienta simple, de ninguna manera una distracción o mamotreto tecnológico, y puede volverse casi invisible en el set en manos de un buen asistente de cámara. Un buen gaffer sabe hasta dónde la puede exigir, un buen colorista ya ha trabajado con esa imagen en cientos de formas diferentes. Te deja más espacio mental para tomar decisiones creativas, y al final sigue siendo la imagen más bella que hay.

cinema5D: Entonces fue una obviedad.
RL: Probé una Venice, y aunque el ISO dual hubiera sido útil para nosotros, es pesada para filmar con cámara en mano, y no estaba convencido de que estuviera lista para la producción en un rodaje como el nuestro. Estábamos a seis horas de la ciudad y sin el presupuesto para un segundo cuerpo de cámara, por lo que cualquier tipo de accidente con el equipo hubiera sido desastroso. Ninguna de las Alexas me han fallado desde que comencé a disparar con ellas, hace casi una década.

cinema5D: ¿Qué hay de las ópticas?
RL:  La elección de los lentes Speed ​​Panchros vino después de muchas discusiones y pruebas. Tengo suficiente experiencia como para limitar mis opciones a 3 o 4 familias de lentes. Antes (de elegir), voy a una casa de alquiler y pongo una longitud normal de cada conjunto en la cámara, tal vez un 40 mm, y casi siempre resulta obvio cuál tiene la sensación correcta. Tengo una serie de necesidades técnicas que limitarán un poco mis opciones, pero mi proceso de selección de lentes termina siendo bastante emocional.

En este caso, los Speed ​​Panchros fueron la elección correcta. Embellecen los rostros; tienen una hermosa caída y un toque de viñeteado. Tienen un glamour y una atemporalidad que resultó buena para Black Bear. Hay algunas longitudes que intenté evitar en la película. Los extremos angulares y largos del grupo no son los mejores, lo que termina encerrándote en un rango de 32 mm a 75 mm, pero ese es un lugar bastante feliz para mí de todos modos, y nunca podré enfatizar lo buenos que son el 32 y 40.

cinema5D: ¿Tu y Levine estuvieron en la misma sintonía a través de la fotografía principal?
RL: Confiamos el uno en el otro. El se mantuvo bastante relajado en todo momento. En términos generales, veíamos si los bloqueos que habíamos planeado funcionaban, veíamos un ensayo, discutíamos brevemente sobre la estrategia de rodaje, y de ahí en adelante le daba la libertad de sumergirse 100% en el trabajo con los actores. Tal vez una o dos veces al día me consultaba algún cambio, una sugerencia o una inquietud, pero por lo demás, nos mantuvimos bastante encerrados en nuestros departamentos.

cinema5D: ¿Usaste alguna tecnología o herramientas nuevas para este rodaje?
RL: Nuestro increíble gaffer, Derek Horani, trajo un set de tubos Astera, que son muy comunes en videoclips y publicidades, pero nunca los usé en un proyecto narrativo. Fueron increíblemente útiles, pero como con cualquier elemento tecnológico, su verdadera utilidad se demostró con la habilidad excepcional que Derek tiene con ellos. Ser capaz de regularlos en mitad de una toma, en un rodaje pequeño con poco personal y potencia, es una habilidad notable. He sido un gran defensor del sistema Ratpak AKS, y siempre llevo uno en mi kit también, pero en este rodaje, los Asteras fueron los reyes. Su equipo también trabajó duro todas las noches para lograr que un sistema de alimentación de locación realmente meticuloso pudiera funcionar a pesar de los interminables apagones y molestias.

Fotos del detrás de escena de Black Bear, por Erika Svensson y Katie Grant.

cinema5D: ¿Algún accesorio de preferencia o lujo adicional que siempre llevas en tu kit?
RL: Me encanta mi OLED TVlogic, es un verdadera bendición tener un OLED relativamente preciso en color con un factor de forma que puede estar en una cámara, ya que cuando también estoy operando no tengo un 17″ tan a menudo. Todo lo demás depende realmente del paquete que mi 1er asistente crea que es mejor, según las conversaciones que tenemos en pre-producción. Nunca trabajé como Asistente de cámara, así que trato de ser bastante respetuoso con la forma en que les gusta armar cámaras y trabajar. Me gusta que la cámara sea una herramienta lo más simple e invisible posible, y confío en mi asistente para decirme cómo desean lograr ese fin.

cinema5D: Cuéntanos un poco sobre tu enfoque de la iluminación específica de esta película. ¿Algún desafío particular?
RL:  Tenía dos preocupaciones en esta película desde el punto de vista de la iluminación. Mi primera preocupación era querer mantener una ilusión de luz de luna durante la mayor parte posible de la película, tanto en interiores como en exteriores. Teníamos una locación hermosa, pero si no podíamos exponer bien los árboles y los terrenos que rodeaban la casa, nunca tendríamos vida a través de las ventanas, y pensaba que se perdería gran parte del interés visual. Quería motivar la luz en exteriores y que no fuese solo la luz de tungsteno lavada proveniente de la casa. La luz de la luna me dio algo de libertad para alejar a los personajes de los edificios y acercarlos al lago: hacer que los momentos fuesen de privacidad y aislamiento.

cinema5D: ¿Cómo generaste la luz de la luna?
RL: Por desgracia, el camino de entrada a la casa era inmanejable para un condor, por lo que mi equipo de G&E tuvo que trabajar casi exclusivamente desde diferentes secciones del techo de la casa, una pesadilla logística que superaron brillantemente todas las noches.

cinema5D: ¡Equipo de techos! ¿Cuál fue el segundo desafío?
RL: El segundo desafío fue encontrar dos looks diferentes para la película que fueran lo suficientemente distintos como para coincidir visualmente con los diferentes arcos emocionales, y que a la vez tuvieran una mezcla suficiente para sentir que formaban parte de la misma película.

cinema5D: ¿Cuáles fueron esos dos looks diferentes?
RL: La 1ra parte de la película necesitaba sentirse glamorosa y al mismo tiempo iluminada con luces de la escena. También incluye algunas escenas muy largas y complejas. En un caso, una escena de quince páginas entre tres personajes necesitaba ser bloqueada y rodada en una sola noche de 8 o 9 horas. La re-iluminación en esas situaciones tenía que hacerse casi de inmediato. El bloqueo no era muy ajustado, así que no podíamos confiar en lograr las mismas marcas cada vez. Se requirió mucha sutileza y creatividad, y mi equipo lo logró de una manera increíble.

La parte 2 fue un rodaje vérité, de nuevo incorporando algunas secuencias coreografiadas realmente largas. Varias partes en la película requirieron iluminar 3 pisos de la casa simultáneamente, con una combinación de unidades que tenían que parecer prácticas en algunos lugares, y luego como luces de película en otros… en algunos momentos, como la luz de la luna, y en otros para funcionar en un rodaje de 360 grados.

A lo largo del rodaje, me impresionó la capacidad de mi capataz Derek para regular la iluminación dentro de estas largas escenas, manejar los atenuadores y usar unidades móviles para mantener las formas en las caras, todo mientras se mantenía la sensación dramática.

cinema5D: Después de todo eso, probablemente quieras proteger la imagen lo más posible. ¿Negocias la participación en la post-producción en tus contratos? ¿Cuál fue tu participación en el proceso de color?
RL: Estoy mejorando en esto. Los coloristas son una parte muy esencial del proceso creativo, y toman decisiones verdaderamente definitorias para una película. Cada vez más, creo que tener el presupuesto para un gran colorista es una opción esencial para un director de fotografía, incluso si significa bajar costos en otros aspectos en el set. En este caso, luché desde el día en que me contrataron para tener a la mejor colorista, la encantadora Kath Raisch. La conseguimos, y estaba feliz. Estoy contractualmente obligado a participar en la post, sí, y mis experiencias con Kath me dan ganas de hacer lo que pueda para mantenerla involucrada en las películas en el futuro.

¿Cuál es tu opinión sobre hacia dónde va la dirección de fotografía? ¿Se ha elevado la vara, o nos estamos estancando a causa de los cambios de la nueva tecnología?

RL:  Sinceramente, me aburro bastante hablando de tecnología en este momento. Los fabricantes tienen sus buenas razones para tratar de posicionar cada nueva pieza de tecnología como “revolucionaria”, pero creo que el trabajo de un director de fotografía se ha mantenido sin cambios durante bastante tiempo. Existe, por supuesto, un requisito de competencia técnica que se exige a los directores de fotografía, pero también tenemos mucho apoyo en torno a quién puede ayudarnos a manejar esas cosas. Los DIT’s, Gaffers, asistentes de cámara, casas de post. Raramente estamos solos en estas decisiones. El único lugar donde frecuentemente estamos solos es en tratar de encontrar un mundo visual apropiado y hermoso para un guión bien escrito. Intento, en mi vida y en mi trabajo, ser cada vez más consciente de los elementos emocionales, psicológicos y narrativos de nuestro trabajo. Creo que desarrollar esas capacidades es la clave para hacer películas hermosas y exitosas. Lo que quiero es que la tecnología desaparezca cada vez más, y creo que con la mentalidad correcta eso es completamente factible.

cinema5D: ¿Cuál es tu consejo para los asistentes de cámara, los operadores y los cineastas más jóvenes que intentan avanzar en sus carreras?

Encontrar el equilibrio entre humildad y confianza es realmente difícil cuando intentas hacer cosas preciosas. Las películas que encuentro visualmente impresionantes generalmente están hechas por personas con décadas de experiencia, que trabajan con equipos brillantes, de lo mejor en lo suyo, en lugares maravillosos, con bastante tiempo.

Creo que es importante estar un poco asustado, y usar ese miedo para motivar la cantidad interminable de atención y esfuerzo necesarios para hacer una obra de arte de la que puedas sentirte orgulloso. Al mismo tiempo, ser joven y seguro (y tal vez un poco ingenuo) también puede darte la posibilidad de perseguir cosas realmente novedosas y salvajes que alguien un poco mayor y con más experiencia nunca podría intentar. Encuentra tu visión, mantente sensible a ella y persíguela con valentía.

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