コンテンツ、コンテンツ、コンテンツ…映像業界は日々、コンテンツで溢れかえっている。映画のアイデアやストーリーは無限にあり、それを実現するクリエイターもたくさんいる。しかし残念なことに、最高でクールな映像を作ろうとするあまり、ほとんどのクリエイターが、映像制作における魔法のような真実のひとつ、「撮影には声があり、語るべきことがたくさんある」ということを忘れてしまっているようだ。そのため、カメラ言語を学び、それをマスターすることは、初心者ディレクターだけでなく、すべてのフィルムメーカーにとって不可欠となっている。MZed のコース、ディレクションの基礎では、このトピックに特化した詳細なモジュールが用意されている。
The International Film Institute of New Yorkとともに、独立系脚本家、監督、プロデューサーであるKyle Wilamowskiが開催するコース「Fundamentals of Directing」は、すべての人を基本に立ち返らせるものだ。カメラは語り手であり、どんなにクレイジーなショットでも、シーンの背景や全体のストーリーを無視していれば、映画にとって何の役にも立たないことをここで思い知らされる。
ショットは言葉のようなもの。シーンは文章です。そして、シーンが集まって、あなたの映画という物語を語るのです。
Kyle Wilamowski from the introduction to the module “Core Building Blocks of Directing”
ショットのサイズ、構図、被写界深度など、すべての視覚的要素を徹底的に概観する中で カイルはまた、それぞれの要素が観客にどのようなインパクトを与えるかを分析しています。以下では、カメラ言語を学び、ショットを強力なストーリーテリングツールとして使用するための、彼の驚くべきヒントをいくつかピックアップしている。このコースに興味がある方は、MZed.comにアクセスしてチェックしていただきたい。
ストーリーに適したショットのサイズを選択する
「ワイド、ミディアム、クローズアップ…そんなの常識でしょ！」と思われるかも しれない。しかし、ここで重要なのは、適切なショットサイズを選択することは、無作為の決定や、「異なるサイズでいくつかの取材を撮影し、次に進みましょう」という単純なものであってはならないということだ。意外なことに、最近よく見かけるのがこれだ。
例えば、ワイドショットは、対象物やキャラクターの全体を、周囲との関連性を考慮しながら撮影するもの。カイル・ウィラモウスキーが説明するように、このようなアプローチは、選ばれた瞬間に設定に大きな役割を与える。「シャイニング」に登場するこの幽霊ホテルと、小さなダニーの人生に対するその影響は、スタンリー・キューブリックにとって非常に重要なものだ。
同時に、俳優の顔をクローズアップしたショットは、周囲を縮小し、取るに足らない存在にする。タイトなフレームの中で重要なのは、登場人物がこの瞬間に何を感じ、何を経験しているかだけなの だ。カイルは、フランスの無声映画『ジャンヌ・ダルクの受難』を見るよう勧めているが、そこでは事実上、すべてのショットがクローズアップされている。この型破りなカメラ・ランゲージの結果、観客は主人公のジョアンと共にあらゆる感情、恐怖、反応を体験することになった。
このショットは何のためにあるのだろうか？
というのが、制作前の分解セッションで自分自身に問いかけるべき質問だ。ショットにはさまざまな種類がある。物語が現在どこにいるのか、あるいはどこに到達したのかを特定する必要があるのか？空間を示すエスタブリッシュメントショットで、あまり長く留まらないようにしている。特定のディテールに注意を向けさせようとしているのだろうか？観客に新しい情報を提供する、対象物の意味のあるクローズアップを撮影することを検討していただきたい。
単純な」リアクションショットでさえ、ストーリーに大きな力を与えることができる。それについて、カイルは「自転車泥棒」の例を挙げている。ラストシーンで、子供は父親が何かをしているのを見て、心を痛める。映画全体がこの瞬間のために構築されているので、彼の反応は不可欠であり、どんな話し言葉よりも多くを語っている。
さまざまなショットタイプの中で、間違いなく目立つものがある。これはカイルの重要なアドバイスでもあるのだが、少なくとも初心者の場合は、すべてのシーンにマスターショットを入れることだ。つまり、すべてのアクションが行われ、いつでもカットバックできるようなショットを1つ用意するということだ。
ストーリーを支える構図についてのいくつかのヒント
カメラ用語のもう一つの非常に強い要素は、画像の構図だ。写真と同様、ほとんどの場合、無意識のうちに、見る人に深い影響を与えることができる。構図を工夫することで、見る人の視線や反応を操作することができるのだが、そのためには、いくつかのルールに従ったり、ルールを破ったりする必要がある。しかし、その前に、それらを知る必要がある。
三分の一の法則は誰もが聞いたことがあると思うが、もう一つ興味深いのは、絵の中にどのように主役の線を配置するかということだ。それぞれの線は、視線を特定のものに集中させたり、そこから遠ざけたりと、自然に目を引くものだ。例えば、この廊下の線は、最後にあるドアに私たちを向かわせている。そこにキャラクターを配置すれば、彼らが最大の注目ポイントになる。
さらに試してみる価値のある構図ツールは、何をフレームインさせ、何を切り取るかで遊ぶことだ。写真の中に要素を配置することで、メインフォーカスをどこに置くかを決めることができる。また、端に切り取ることで、メインの被写体を外界から切り離すことができる。また、下の例のように、全く別の効果を生み出すこともできる。かなり変わったフレーミングで、主人公が何かユニークな体験をしているように感じさせる。
その他、カメラ用語の重要な要素
1つのショットがどれだけのことを語っているか、おわかりいただけただろうか。その要素を使い分けることで、いかにストーリーの捉え方が変わるか？そして、例えば、登場人物のパワープレーを観客に伝えることができる様々なアングルには、まだ触れていない。また、被写界深度やそれがもたらすレイヤーについても触れていない。
そう、これらはすべて基本中の基本なの だ。しかし、私個人としては、それらを思い出すといつもワクワクする。ストーリーを語るのに、感情的な会話や複雑なエフェクトは必要ないの だから、まるでマジックのような気分になる。カメラ用語がわかれば、シンプルなショットでこれだけのことができる。
ショット内の要素をどうバランスさせるか、あるいは視聴者を邪魔して苛立たせるか？ウェス・アンダーソンがシンメトリーやパターンを多用するのはなぜか？どのようなカメラの動きが緊張感を生み出すのに有効なのか？演出の基礎」コースでは、これらすべてを学ぶことができる。
Feature image: a film still from „Ratcatcher” by Lynne Ramsay, 1999
MZed Proで得られるもの
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