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Estamos acostumbrados a los cortes en películas y vídeos. Son la gramática básica del lenguaje cinematográfico. Pero, ¿qué otras formas hay de hacer una transición entre escenas? Hace muchos años, cuando estudiaba periodismo televisivo, nuestro profesor recomendaba el fundido a blanco como solución de edición habitual. Hoy en día, casi nadie lo usa. ¿Pero podemos usarlo? ¿Cuándo? ¿Por qué? ¡Hablemos de disoluciones, transformaciones y otras transiciones, y analicemos su lugar en el cine!
Recientemente, impartí el seminario web «Un Corte Poderoso» para MZed, donde hablamos del poder narrativo de establecer —o no establecer— un corte (puedes encontrar la grabación aquí). Abordamos la edición como el ensamblaje de piezas y una de las principales fuerzas impulsoras que hacen avanzar la historia. También analizamos algunas de las opciones estilísticas que ayudan a crear una transición impactante entre escenas. Por ejemplo, analizamos los llamados cortes de continuidad, donde se mantiene el encuadre pero se continúa la acción en la siguiente toma o se incluye un puente de audio adecuado (para leer más sobre las distintas técnicas de corte de continuidad, visita este enlace).
Al final de nuestro seminario web, alguien hizo una excelente pregunta en el chat: “¿Y qué hay de otros tipos de transiciones? ¿Cuándo es apropiado usar, por ejemplo, una disolución?”. Sé que muchos cineastas las consideran de mal gusto. “Solo en sueños”, fue la respuesta directa de alguien. Así que, ¿por qué no profundizar un poco más en este tema?
Las disoluciones como transiciones y su objetivo
Antes de pasar a ejemplos curiosos de todos los géneros, aclaremos algunas definiciones. En el libro de texto “Narrativa Cinematográfica”, una disolución se define así:
Las disoluciones fusionan una toma con otra. Esto se logra ópticamente desvaneciendo la primera toma mientras la segunda aparece gradualmente. Una disolución suaviza un corte. Puede ser breve o prolongada, dependiendo de cuán “suave” quiera el efecto el cineasta. Las transiciones han sido una técnica fundamental desde la década de 1920.
Así que sí, esta herramienta solía ser mucho más popular. Los cineastas descubrieron que puede “unir” dos espacios o épocas, al igual que un corte (¡hola, “montaje intelectual” de Eisenstein!), pero de una manera más marcada. Piénsalo como un puente visual que le da una señal instantánea a nuestro cerebro: estas tomas están intrínsecamente conectadas.
Vemos esto ejecutado de manera magistral en la inquietante escena inicial de “Apocalypse Now” de Francis Ford Coppola. Mientras el rostro del Capitán Willard se disuelve lentamente sobre la jungla en llamas y los helicópteros que giran, la frontera física entre este entorno y su psique se desvanece. La transición transmite un poderoso mensaje: la guerra no solo ocurre afuera, sino que arde dentro de su cabeza, volviéndolo loco. ¿Dirías que fue una decisión de “mal gusto”? Yo no.
Transiciones fluidas para secuencias oníricas
Este suave efecto de transición evoca la sensación de sumergirse lentamente en un estado onírico (al menos, así me siento yo en esos raros minutos entre el día y la noche). No es de extrañar que se convirtiera en una transición recurrente en la Edad de Oro de Hollywood para llevar al público sin problemas al interior de la mente de un personaje, uniendo la realidad con una secuencia surrealista, un flashback o un recuerdo.
Aquí, por ejemplo, vemos una famosa transición fluida de “Spellbound” de Alfred Hitchcock. Fue su icónica colaboración con el maestro Salvador Dalí quien diseñó esta secuencia onírica:
Veíamos transiciones fluidas en estos casos con tanta frecuencia que llegamos a creer que señalaban la entrada a un sueño o a una realidad de otro mundo. Por eso, cuando Christopher Nolan hizo “Inception” sin transiciones fluidas, creó un nivel diferente de inmersión y narrativa. En su historia, los cortes abruptos tienen mucho más sentido. Al fin y al cabo, los personajes son profesionales que intentan ocultar el hecho de que están alterando sueños.
Conexiones temáticas y compresión del tiempo
Más allá de crear un vínculo entre lo externo y lo interno, o de acompañar a los personajes en un estado onírico, las transiciones pueden generar paralelismos conceptuales y conexiones temáticas. Por ejemplo, en la serie “Sherlock” de la BBC, el equipo de edición utiliza transiciones fluidas combinadas con cambios de velocidad para visualizar las rápidas deducciones del detective. Observen atentamente a partir del minuto 2:17:
En lugar de saltar abruptamente entre pistas, los fotogramas se funden entre sí, comprimiendo horas de meticuloso trabajo de deducción en unos pocos segundos vertiginosos. Esta aplicación específica de la transición le permite al público sentir la abrumadora y fluida intensidad del intelecto de alto funcionamiento de Sherlock. Así, la herramienta ayuda a los cineastas a construir el personaje. En mi opinión, «Sherlock» es una gran serie moderna y apuesto a que, también en este caso, nadie consideraría el uso de transiciones como algo ridículo. Se utilizan intencionadamente y contribuyen a la historia.
La transformación digital como transición
¡Pero basta de hablar de transiciones! Detengámonos por un momento en el morphing. En realidad, es una técnica de efectos visuales que transforma matemáticamente la geometría de una imagen o forma en otra. Ha evolucionado a partir de trucos ópticos prácticos en la cámara y animación, y se convirtió en un elemento digital imprescindible en el Hollywood de los 90, siendo Industrial Light & Magic (ILM) la empresa pionera en su uso. Se dice que a David Fincher le encantaba utilizar la técnica de transformación para combinar diferentes tomas y lograr la mejor interpretación posible. Sin embargo, esta técnica también tiene una utilidad narrativa. Uno de los ejemplos más destacados es esta escena de “Saving Private Ryan” (a partir del minuto 1:28):
Mientras la cámara se acerca a los ojos de un joven Ryan afligido en el campo de batalla, la imagen se transforma fluidamente en el rostro curtido de su yo mayor, de pie en el cementerio de Normandía décadas después. ¿Qué sensación te produce?
Al no haber cortes bruscos (ni saltos de escena, por ejemplo), se siente como si este trauma del pasado se mezclara con el dolor del presente. Conecta al protagonista con sus recuerdos atormentadores y nos atrapa en este ciclo con él. Es emotivo y conmovedor. Si Spielberg hubiera decidido cortar en este punto, probablemente habría suavizado el impacto.
Blorphing
Otra tecnología que se basa en la transformación se llama “blorphing” (mezcla/transformación). Se utiliza principalmente para transiciones entre entornos. De hecho, fue creada por el estudio Digital Domain para la toma final panorámica de “Titanic”.
Mientras la cámara se sumerge en los turbios restos del barco hundido, el encuadre se transforma y se fusiona a la perfección con su versión vibrante y brillante de 1912. Todo en una sola toma. El resultado: hace que el barco fantasma cobre vida ante nuestros ojos, como a veces sucede con los recuerdos. Es una hermosa metáfora visual, ¿verdad?
El telón gráfico de la transición
La siguiente transición que debemos abordar es la transición. Una transición es exactamente lo que su nombre indica: consiste en reemplazar una toma desde una dirección específica o con una forma geométrica determinada. Se puede realizar una transición hacia la izquierda o la derecha, hacia arriba o hacia abajo, o incluso usar círculos, triángulos y estrellas (sinceramente, ¿quién te lo prohibiría?). ¿Algún ejemplo de transiciones de barrido que te venga a la mente? Sí, “Star Wars”.
George Lucas usa constantemente transiciones de barrido para cambiar de trama (y como sabes, hay muchísimas). Podríamos decir que son “lo opuesto a la inmersión”, ya que son llamativas, impactantes y siempre nos recuerdan que, después de todo, ¡estamos viendo una ópera espacial! En este caso, las transiciones de barrido son una señal clara para el público de que la historia avanza, cerrando un capítulo y pasando al siguiente. Es como un telón en el teatro, cayendo después del acto.
En el cine moderno, las transiciones de barrido son raras. Naturalmente, series como “The Mandalorian” siguen la tradición de la franquicia y las incluyen para mantener la sensación de que estamos en el universo de “Star Wars”. ¿Y más allá de ellas? Un ejemplo que me viene a la mente al instante es “Scott Pilgrim vs. the World” de Edgar Wright. Esta película usa todos los trucos posibles para crear la sensación de hojear un cómic. Entre ellas se encuentran las transiciones de pantalla, en todas sus formas y tipos, incluyendo algunas creativas como la que se muestra a continuación:
Y otras transiciones
Por supuesto, eso no es todo. Existe un amplio abanico de transiciones que podemos usar en lugar de un corte brusco: desde el ya mencionado «descenso a blanco» hasta el «desenfoque» y las pantallas divididas (que analizamos en detalle en este artículo, si les interesa). No hay reglas estrictas sobre cuándo usarlas, digan lo que digan los críticos o lo que consideren «vergonzoso». Sin embargo, en mi opinión, cualquier herramienta o transición que elijan debe servir a la lógica interna de la historia y contribuir a lograr su estilo visual. Háganlo con intención, como en las películas y series que hemos comentado en este artículo, y entonces podrán usar cualquier técnica del mundo.
¿Cuáles son tus transiciones favoritas? ¿Usas alguna en particular? Si es así, ¿cuál y en qué momentos? ¡Sigamos hablando del tema en los comentarios!
Imagen destacada: fotogramas de «Apocalypse Now» de Francis Ford Coppola, 1979; De la serie «Sherlock» de la BBC (2010-2017) y de «Saving Private Ryan» de Steven Spielberg (1998).
Aclaración: MZed es propiedad de CineD.
Fuente adicional: «Narrativa cinematográfica» de Jennifer Van Sijll (2005).
