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Qué pasaría si pudiéramos detenernos en un momento un poco más? ¿Y si este momento no fuera solo algo que vemos, sino un espacio por el que podemos movernos? La técnica del tiempo bala plantea la primera pregunta. La captura volumétrica se centra en la segunda. Ambas son herramientas muy técnicas, pero también pueden convertirse en parte de la gramática narrativa de tu película. ¿Cómo? Aprenderemos de ejemplos de películas y series modernas que parecen haber respondido a las preguntas anteriores.
El cine siempre ha estado obsesionado con el tiempo: estirándolo, comprimiéndolo, saltándolo y casi congelándolo. En artículos anteriores, examinamos algunos de los fundamentos en este contexto (aquí podrás comprender los fundamentos de la experimentación con la velocidad de fotogramas. Y aquí, encontrarás un análisis profundo de la cámara super lenta utilizada para contar historias).
Ahora, vayamos un paso más allá introduciendo el tiempo bala y la captura volumétrica, que son dos técnicas distintas.
El tiempo bala y la captura volumétrica no son lo mismo
El tiempo bala y la captura volumétrica son dos técnicas cinematográficas que por lo general se confunden, y con razón. Ambas se basan en conjuntos de múltiples cámaras. Ambas permiten un movimiento dentro de una toma que sería imposible lograr con un solo lente. Sin embargo, su enfoque de la realidad es fundamentalmente diferente.
El tiempo bala crea la impresión de que el tiempo se congela o se ralentiza drásticamente, mientras la cámara se mueve libremente alrededor de la acción. La captura volumétrica, en cambio, registra la escena (principalmente la actuación) como un volumen tridimensional basado en el tiempo. ¿Suena complicado? No te preocupes. No entraremos en demasiados tecnicismos. Los conceptos se aclaran mucho una vez que ves cómo funciona cada técnica en el detrás de escena.
¿Qué es el tiempo bala?
Aunque nunca hayas oído este término, probablemente sepas lo que es. El ejemplo clásico (y la invención) de este efecto proviene, por supuesto, de “Matrix”.
Para simplificar el “tiempo bala”, imagina a tu sujeto realizando un movimiento (en el caso de Neo, esquivando las balas del Agente Smith). Ahora, coloquen docenas o incluso cientos de cámaras a su alrededor formando un arco o círculo cuidadosamente diseñado, como las 120 cámaras fijas de la toma épica de Matrix. Estas cámaras disparan simultáneamente o en una secuencia precisa. Las imágenes resultantes se unen para crear la ilusión de una cámara en movimiento en un momento suspendido. Para lograr el movimiento continuo en la escena de Neo, los cineastas también recurrieron a plataformas especializadas, interpolación de fotogramas, un extenso trabajo de efectos visuales y composición. En esencia, el tiempo bala consiste en conjuntos de cámaras que capturan un momento desde múltiples ángulos y utilizan esos datos para “congelar” el tiempo mientras se mueve a través de él.
La escena se siente tridimensional, ¿verdad? Sin embargo, el tiempo bala se construye a partir de imágenes 2D. La trayectoria de la cámara está predefinida por la ubicación física de las cámaras. Es decir, no se puede cambiar la perspectiva más allá de lo capturado. Volveremos a este tema más adelante. Por ahora, disfrutemos del impactante efecto del tiempo bala.
Por si les interesa, los artistas de efectos visuales de “Corridor Digital” recrearon esta misma toma de Matrix, pero implementando tecnología moderna para el mismo proceso:
Efecto de tiempo bala para escenas intensas y viscerales
¿Qué nos transmite la escena de Matrix? De repente, nos adentramos en la mente de Neo y vemos la realidad a través de sus ojos. Lo que hace en ese momento no es convencionalmente humano. El efecto visual inusual exterioriza su transformación interior, su mayor consciencia, su despertar. Así es como se suele usar el tiempo bala hoy en día: para señalar algo sobrenatural o trascendente en un personaje. Pero también puede servir para otros objetivos narrativos y visuales.
Por ejemplo, volvamos a ver una de las escenas de la primera parte de “28 Years Later”, donde el protagonista, Spike, y su padre se adentran en la naturaleza para matar a unos cuantos infectados y cumplir un ritual de mayoría de edad. Nos interesa especialmente una toma alrededor del minuto 04:55 (Advertencia: no veas el siguiente video si no soportas los momentos sangrientos en las películas).
¡Sí, es tiempo bala! Sin embargo, en este ejemplo no es épico. Es impactante, hiperdetallado, súper visceral y sucio. Hay muchos momentos intensos similares en la película que utilizan la misma técnica. Como probablemente sepas, 28 Years Later se rodó principalmente con un iPhone; Esto les permitió a los creadores construir un equipo móvil liviano con un set de 20 iPhones sincronizados montados a lo largo de una rampa curva. Era bastante fácil de transportar incluso en terrenos accidentados, y de conectarlo, por ejemplo, a una grúa.
En uno de los cortos del “Making-Of”, el director Danny Boyle explica su intención narrativa con esta técnica. Además de permitir enfatizar y congelar algunos de los momentos brutales, el tiempo bala te sumerge en la escena, como si fuera tridimensional. Para él, es un ejemplo perfecto de lo que significa la palabra “inmersivo”. Aumenta la intensidad y permite ver detalles que jamás verías a simple vista. Bueno, no estoy seguro de quererlo, ya que el mundo de la franquicia “28 Years Later” es realmente horrible. Sin embargo, el efecto es definitivamente perfecto.
Captura volumétrica en resumen
La captura volumétrica (también conocida como VolCap) no simula el movimiento de la cámara. Es un método de grabación 3D que fusiona vídeo digital y datos del sensor de profundidad en lugar de unir imágenes planas.
Y sí, también utiliza muchas cámaras calibradas, ubicadas en un entorno de 360°, que capturan simultáneamente la actuación. La diferencia principal es que el resultado es un modelo 3D con movimiento a lo largo del tiempo, lo que les permite a los cineastas observar una escena determinada desde cualquier lugar dentro del espacio grabado. En otras palabras, ya no estamos limitados a lo que la cámara vio en el momento de la captura. Con VolCap, podemos explorar el momento y cambiar la perspectiva incluso después de la grabación.
La captura volumétrica se utiliza comúnmente en RV y RA, así como en producción virtual, instalaciones inmersivas y cinemáticas de videojuegos. Pero existen algunas aplicaciones creativas particulares, relacionadas con el cine, que quiero mostrarles con dos ejemplos a continuación.
Captura volumétrica a escala
En el cine, la captura volumétrica puede ayudar a lograr movimientos y ángulos de cámara que serían imposibles en la vida real. También simplifica algunas tomas. Un ejemplo interesante de los últimos años es la película biográfica sobre Whitney Houston, titulada “Whitney Houston: I Wanna Dance with Somebody”.
En lugar de depender de las tradicionales emulaciones de multitudes generadas por computadora, los creadores de la película optaron por capturar volumétricamente las actuaciones del público real para las escenas del concierto.
Para lograrlo, los creadores capturaron a cada artista utilizando un set completo de cámaras de 360° con más de 70 cámaras sincronizadas. Cada persona reaccionó de forma diferente: vitoreando, aplaudiendo, saludando y moviéndose a ritmos ligeramente distintos. Luego, repitieron el proceso con cientos de personas. El resultado: una enorme biblioteca de actuaciones tridimensionales que se podían colocar, reutilizar y recontextualizar libremente en la posproducción (como se puede ver en el detrás de escena anterior, también se podía optar por cualquier ángulo de cámara y movimiento en estas actuaciones).
¿Por qué fue beneficiosa la captura volumétrica en este caso, además de brindarles a los creadores mayor libertad en posproducción? Crearon realismo, las escenas se sienten realistas en lugar de sintéticas. Al planificar cuidadosamente los estados emocionales y las variaciones de reacción, el equipo evitó la uniformidad que por lo general delata a las multitudes generadas digitalmente. Se trata de personas dentro de la escena, no solo fondos de gráficos generados por computadora para las actuaciones de Whitney.
Captura volumétrica para la construcción de personajes
Otro trabajo reciente que aplicó la captura volumétrica con fines creativos es la segunda temporada de la serie de Netflix “Wednesday”. En ella, los creadores utilizaron la tecnología para crear la cabeza incorpórea del Profesor Orloff, guardada en un frasco bajo el agua.
Christopher Lloyd, quien interpretó al profesor, realizó todas sus escenas en un escenario de captura volumétrica. Aquí está la parte realmente fascinante: escenas previamente filmadas y preeditadas se proyectaron a su alrededor en 360°, recreando cómo se sentiría el mundo desde la perspectiva del Profesor Orloff. Así, en lugar de quedarse en el vacío imaginándolo todo, Lloyd pudo reaccionar a los entornos y a las actuaciones de sus compañeros a medida que se desarrollaban a su alrededor.
Si te interesa saber cómo lograron esto, aquí tienes un vistazo entre bastidores a su enfoque de captura volumétrica:
Por supuesto, después utilizaron los datos de VolCap para crear un modelo 3D de su cabeza, anclarlo correctamente y colocarlo bajo el agua con la ayuda de efectos visuales complejos. Así que, sí, mucho de lo que vemos en los episodios finales está construido digitalmente. Pero la autenticidad de la actuación, la sincronización del discurso, los sutiles movimientos faciales, la esencia emocional, todo se mantiene arraigado en la realidad. Así es como Christopher Lloyd pudo crear su inusual personaje sin perder credibilidad. El Profesor Orloff no parece completamente generado por computadora porque su actuación está arraigada en cada escena.
Salpicaduras gaussianas para captura volumétrica
¿Sabes qué herramienta contemporánea me recuerda a una técnica de captura volumétrica? Las salpicaduras gaussianas. Hablamos mucho sobre esta tecnología y cómo crear entornos 3D usando la cámara de tu smartphone y aplicaciones intuitivas en mi curso de MZed: “El Cineasta Eficiente: Escanear y Planificar”.
Básicamente, las salpicaduras gaussianas son una forma de almacenar y mostrar información 3D entrenada mediante IA o aprendizaje automático. Pero esa no es exactamente la herramienta a la que me refiero. Algunas empresas como 4DV AI, por ejemplo, decidieron llevar esta tecnología a otro nivel y convertir vídeos sencillos en experiencias 4D completas. Es decir, su aplicación toma una escena filmada y la lleva a un espacio 3D, donde puedes mover la cámara, acercarte, alejarla y verla desde todos los ángulos posibles (Incluso puedes escuchar cómo cambia el sonido según el punto desde el que se observa la escena). Supuestamente, los desarrolladores también usan salpicaduras gaussianas, pero las superponen a lo largo del tiempo, por lo que la escena 3D recreada existe tanto en el espacio como en el tiempo. ¿Te recuerda a algo? Sí, suena a captura volumétrica, pero sin el proceso VolCap propiamente dicho.
Lamentablemente, la herramienta de IA 4DV aún no está disponible para el público (y no encontré otras), pero puedes ver algunas escenas de demostración en el sitio web de la compañía, con renderizado en tiempo real. ¡Vivimos en tiempos interesantes!
¿Qué opinas de herramientas técnicamente ambiciosas como el tiempo bala y la captura volumétrica? ¿En qué contexto crees que realmente contribuyen a la historia, y cuándo corren el riesgo de convertirse en un lujo visual? ¿Qué opinas de las tomas en tiempo bala de “28 Years Later”, te parecen cautivadoras o demasiado excéntricas? ¡Hablemos en los comentarios!
Imagen destacada: fotogramas y material detrás de escena de “28 Years Later” de Danny Boyle (2025) y “Wednesday”, temporada 2, en Netflix.
Aclaración: MZed es propiedad de CineD.
