SUNDANCE 2019: Con el Foco Puesto en Greta Zozula

SUNDANCE 2019: Con el Foco Puesto en Greta Zozula

Las películas elegidas para competir en la categoría NEXT en el Festival de Cine de Sundance celebran la innovación en el cine. A menudo, la innovación es técnica y está evidenciada en el enfoque, la estructura o la ejecución de la película. Otras películas logran ingresar a esta categoría por sus temas innovadores o poco convencionales. Sin lugar a dudas, en el pasado esta era la categoría que presentaba a los cineastas que asumían más riesgos, y es por eso que Sundance promete que las películas de esta categoría representan la creatividad que “dará forma a la próxima ola en el cine estadounidense”. He aquí un vistazo a una de las directoras de fotografía de la competencia NEXT: Greta Zozula.

Detrás de escena con la directora de fotografía Greta Zozula

DF: Greta Zozula
Película: Light From Light (dir. Paul Harill)
Categoría:NEXT Competition
Cámara: Alexa MINI
Lentes:
Cooke: S4s y un Angenieux 24-290

Filosofía de la directora de fotografía:
La historia es siempre lo más importante, y si no amas lo que haces, entonces no lo hagas. Eso puede parecer obvio, pero cada decisión que tomo está basada en esa idea. Sea la composición, la iluminación, el movimiento de la cámara, el color, la elección de lentes: todo está relacionado con la motivación de la historia. En cuanto a amar lo que haces, creo que debería aplicarse a todos los aspectos de tu vida.

cinema5D: ¿Por qué terminaste eligiendo la Alexa MINI?

GZ: Además de filmar con una cámara de cine, personalmente creo que la Alexa es la mejor opción. Te da lo que esperas de ella. No hay sorpresas. Rara vez filmé con cualquier otro sistema de cámara, pues solo estaría agregando más desafíos para mí y para mi equipo. Dicho esto, no creo que la Alexa sirva para todo. Honestamente, no confío en las cámaras que son “todo-en-uno”. Hay razones por las que las cámaras especializadas están diseñadas de la forma en que lo están, y la mayoría de ellas no son buenas para usos prácticos. La MINI es ideal para películas en las que tienes que moverse rápidamente y requieres una cámara que quepa en espacios pequeños cuando sea necesario.

Marin Ireland aparece en “Light From Light”, de Paul Harrill. Cortesía del Sundance Institute | foto de Greta Zozula

cinema5D: ¿Cómo te resultó el combo Cooke/Angenieux? ¿Qué motivó esa decisión?

GZ: Optamos por un enfoque muy clásico para las imágenes de esta película, y creo que los Cookes son lentes muy clásicos que tienen atributos que son bien específicos de estos lentes, pero que igualmente son muy sutiles. Nada llama realmente la atención sobre sí mismo. Me encanta la suavidad natural del vidrio y los tonos más cálidos de la piel. Su característica esférica también influyó en el look. Nos decantamos por una relación de aspecto de 1:66 muy desde el principio. Muchas de las películas a las que hicimos referencia son clásicos europeos que usan un aspecto estándar de 1:66. También fue, en parte, una forma de crear composiciones que fuesen más cercanas a las pinturas que estábamos referenciando. Aunque la mayoría eran retratos, 1:66 fue lo más parecido y con lo que nos sentimos más cómodos. 4:3 nos parecía muy cuadrado y que distraía demasiado para esta narrativa. El zoom fue para tomas muy específicas que requerían zoom y para tomas que querían el extremo telefoto del lente, pero limitamos su uso en las escenas, porque solo representaba una parte de la historia.

cinema5D: ¿Cómo fue la pre-producción? ¿Cómo planificaron el look?

GZ: Incluso antes de la pre-producción, Paul hizo referencia a un libro llamado “Helga Series” de Andrew Wyeth. Hubo unas cuantas pinturas de esa serie que influyeron en el color y la iluminación de la película. Incluso se los mandé a mi colorista para diseñar una LUT. También hicimos referencia a Vermeer, Hopper y Eakin en determinadas escenas.

cinema5D: ¿Qué descubriste durante las pruebas de cámara?

GZ: Las pruebas de cámara fueron muy limitadas, pero hicimos muchísimas pruebas con linternas y luces de utilería. Esto se debió a que la mayor parte de la película se iluminó casi completamente con linternas, por lo que era importante encontrar la temperatura de color, la distribución y la forma correctas para la iluminación. Descubrimos que necesitábamos mezclar linternas con rebotes colocados estratégicamente y superficies reflectantes para obtener el efecto correcto.

cinema5D: ¿Tu y el director vieron alguna película juntos?

GZ: Juntos, no. Vimos escenas de películas para ideas específicas, pero en lo que respecta al look de la película hicimos más referencias a pinturas.

Marin Ireland y Jim Gaffigan aparecen en “Light From Light“ de Paul Harrill. Cortesía del Sundance Institute | foto de Greta Zozula

cinema5D: ¿Hubo storyboards?

GZ: Nada de storyboards. Solo una lista de tomas general como referencia y para el cronograma, pero a menudo nos inspirábamos en el momento.

cinema5D: ¿Cómo fue tu colaboración con el director durante la producción?

GZ: Trabajamos bien. Hubo mucha confianza que nos permitió concentrarnos en nuestros trabajos específicos en el set. Con un cronograma tan rápido, a menudo teníamos que comenzar a iluminar la escena siguiente mientras grabamos la anterior, por lo que fue clave que estuviéramos sincronizados y que pudiéramos llegar al set temprano para discutir cada escena con el asistente de dirección para refrescar nuestra memoria.

cinema5D: ¿Hay algo exclusivo en esta película que haya surgido de tu colaboración?

GZ: Un equilibrio sutil entre emoción y drama. Esta película es dramática pero era fácil exagerar este aspecto según la elección del lente en momentos específicos. A menudo nos dimos cuenta de que cuando normalmente usas un primer plano para lograr un efecto emocional, nosotros preferíamos usar un plano medio o enfocar al otro personaje para atenuar los elementos dramáticos, sin por ello perder la importancia del drama en toda la estructura… Guardamos los primeros planos para los momentos adecuados.

cinema5D: ¿Tienes algún set de filtros preferidos en tu kit?

GZ: Normalmente uso los filtros Glimmerglass. En ocasiones usaba un Black FX o un Smoque si era pertinente. Por lo demás, usaba el filtro MRT de vez en cuando. Lo uso principalmente como un filtro ND variable para ahorrar tiempo, pero tiene muchos usos si quieres ser creativo.

Marin Ireland y Josh Wiggins aparecen en “Light From Light” de Paul Harrill. Cortesía del Sundance Institute | Foto de Greta Zozula.

cinema5D: Cuéntanos un poco sobre tu forma de iluminar específicamente para esta película.

GZ: La iluminación influyó bastante en el desarrollo del tono y de los personajes de la película. Cada locación tenía su propio estilo de iluminación. La casa de Shelia influyó bastante en los momentos emotivos en la película. La iluminación refleja en gran medida los cambios de humor a lo largo de la película. Algunas escenas son suaves y luminosas y otras se hunden fuertemente en las sombras. El lugar donde Shelia trabaja es chato e iluminado solo por luces fluorescentes. Se siente estéril y deprimente, lo que es fiel a su estado emocional cuando está en su trabajo. La casa de Richard tuvo varios looks, pero en general para las escenas de día, poníamos luz día a través de las ventanas y permitimos más sombras y contrastes. Para las escenas nocturnas, utilizamos luces puntuales de utilería, lo que creaba mucha sombra alrededor. En general, esto mantuvo un cierto misterio alrededor de la casa de Richard. Luego estaban las linternas que juegan un papel clave en la película, que es la investigación de Shelia. Las linternas son una herramienta práctica en la película, pero también agregan suspenso y crean una distinción literal entre luz y oscuridad en esta película.

cinema5D: ¿Algún desafío en particular?

GZ: Las linternas, por supuesto. Fue difícil hacer que se vean bien y reales al mismo tiempo. Me cuesta mucho iluminar escenas cuando la luz no está motivada. Puedo permitirme aceptar luces que no están motivadas en una película, pero personalmente, es algo que me vuelve loca. Creo que Matt (el gaffer) y yo terminamos encontrando el equilibrio, pero fue mucho prueba y error. Por lo demás, lo peor siempre es la continuidad de luz en exteriores. Es imposible de controlar y casi siempre es un problema. En general fuimos bastante afortunados, pero tuvimos que empatar escenas que iban de niebla y lluvia a soleado en la misma secuencia, lo que al final creo que funcionó emocionalmente, así que no distrae la atención de la historia.

cinema5D: ¿Qué fue lo que realmente te dejó satisfecha al final del rodaje en términos de estética?

GZ: Cuando hicimos el color de la película, pudimos ver toda la película en pequeños fotogramas lado a lado, y el hecho de poder ver las combinaciones de colores y cómo pudimos expresar las emociones de las escenas con colores y luces tan bien y ver la progresión tan claramente fue lo más gratificante para mí. No necesariamente fue una sorpresa, sino la confirmación de que el trabajo que pusimos en esta idea realmente dio sus frutos y fue algo por lo que valió la pena luchar. Estoy realmente orgullosa de la continuidad concisa de la película. Todo funciona y tiene un propósito. No hay movimientos de cámara sin un propósito ni iluminación de belleza. Es natural y poética cuando lo tiene que ser.

Marin Ireland aparece en “Light From Light” de Paul Harrill. Cortesía del Sundance Institute | foto de Greta Zozula

cinema5D: Pareciera que estamos en un nuevo rumbo en la cinematografía. ¿Cuál es tu opinión sobre dónde estamos y hacia dónde nos dirigimos?

GZ: Esta pregunta me hace volver siempre a lo mismo. Como directora de fotografía, me encanta poder participar en un proceso que cuenta historias que pueden llegar a mucha gente. En lo que respecta a la tecnología, creo que los directores de fotografía tenemos que demostrar que valemos más que los meros conocimientos técnicos de las cosas, y que somos una parte muy importante en la colaboración que va más allá de la imagen. Los directores pueden encarar una película de muchas maneras diferentes. Algunos prefieren concentrarse solo y únicamente en las actuaciones. En ese escenario, un director de fotografía tiene que conocer tanto (sino más) el guión como el director. En cuanto a tener el control de la imagen, es importante saber cuánto control será delegado a la post-producción y tenerlo en cuenta en el set. Si le das demasiado control a la edición o al color, entonces de alguna manera estás sacrificando tu rol. Así que tienes que ser inteligente respecto a los proyectos que eliges y pensarlo de antemano.

cinema5D: ¿Cuál es tu opinión sobre dónde estamos y hacia dónde nos dirigimos?

GZ: ¡Creo que la experimentación es genial! Las nuevas lentes y cámaras permiten más ideas, y no creo que haya nada malo en eso. Creo que es importante conocer estas cosas, pero de nuevo… no creo que eso sea lo que vuelve valioso a un director de fotografía. Es una parte, sin duda. Es crucial conocer las lentes correctas para filmar una película, pero si vas a experimentar con algo que está de moda porque tiene un look nuevo o lo que sea, solo asegúrate de que ese look sea el adecuado para la historia también.

Greta Zozula fue la directora de fotografía de la película Never Goin’ Back, de Augustine Frizell, que fue Selección Oficial tanto en Sundance como en SXSW en 2018. La película fue luego adquirida por A24. Su trabajo en el cortometraje de Charlotte Glynn, The Immaculate Reception, le valió un Premio al Director de Fotografía Emergente, y el cortometraje Fry Day de Laura Moss, en el que ella fue la DF, fue nominado para el Premio del Gran Jurado en el Festival SXSW. Dato curioso: Greta fue la 1ra Asistente de Cámara en Manchester by the Sea de Kenneth Lonergan.

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