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映画の脚本には標準化されたフォーマットがあることは、誰もが知っている。しかし、そのルールを破って、トーン、リズム、感情を視覚的に表現する作家たちの作品に出会うことは、とても興味深いことだ。楽しい！それが、私が初めて『サブスタンス』（原題：The Substance）の衝撃的な脚本に出会ったときの感想だった。脚本の形式は、その内容やスタイルをどのように表現できるのだろうか？型破りな脚本フォーマットは、どのような場合に特に効果的だろうか？これは興味深い話題だ。
また、これは議論の分かれるテーマでもある。Redditで発見したいくつかのスレッド（例えば、このスレッド）では、この問題には少なくとも二つの立場があることがわかる。一つ目は、非伝統的な脚本フォーマットに強く反対する立場だ。彼らは、それが読者を混乱させ、誰もそのような映画を制作したがらないと主張している（有名人なら別だが、それでも世界中で自由に何でもできるわけではない）。また、彼らの意見では、言葉に忠実であり、視覚的な表現は監督に任せるべきだとしている。一方、脚本を独自の芸術形式と見なす人々もおり、なぜ脚本を楽しく読めないようにするべきなのかと疑問を呈している。
個人的には、その中間的な立場だ。基本的には伝統に従うべきだが、創造的な探求の余地も残すべきだと考えている。物語に役立つのであれば、挑戦すべきだ！インスピレーションのために、以下のいくつかの強力な例を見てみよう。
通常の脚本フォーマット – なぜ？
型にはまらない脚本フォーマットについて議論する前に、まず業界標準を確認しておこう。MZed のコース「Writing 101」では、作家兼監督であるセス・ウォーリー氏が、脚本をプロの基準に合わせるために知っておくべきすべてのフォーマット「ルール」を詳しく説明している。
フォーマットは些細なことのように思えるかもしれませんが、たとえ現代版の「カサブランカ」を書いたとしても、フォーマットが間違っていれば、誰も読まず、プロジェクトは実現しません。そして、もし実現したとしても、おそらく5時間もの長編作品になってしまうでしょう。
MZedコースからの引用
セス氏が説明するように、公式フォーマットが存在する重要な理由の一つは、統一性を確保するためだ。ページをざっとめくっただけで、すべてのプロデューサーが重要なポイントを迅速に把握できるからだ。例えば、ページと画面の比率が一定しているため、映画の尺を簡単に確認できる。（標準化されたフォーマットでは、1ページが約1分の画面時間に相当する。）さらに、従来の脚本は、必要なロケーション、キャラクター、シーンの数（室内と屋外に分けて）、など、詳細が明確に示されている。
標準的な脚本フォーマットの基本事項
では、業界標準に準拠した脚本をフォーマットするにはどうすればいいか？セス・ワーリー氏による基本事項とヒントをいくつか紹介する。
- 標準フォントを使用する：12ポイントのCourier（実際のタイプライターで使用されていたフォントを起源とする）。セス氏 のレッスンでは、数年前に『ビッグ・フィッシュ』（原題: Big Fish）などの名作映画の脚本家である John August 氏が無料で公開した、更新されより洗練されたバージョン「Courier Prime」についても言及している。どちらのフォントも使用可能だ。
- 正しい余白を設定する。左余白は 1.5 インチ、右余白、上余白、下余白は 1 インチ。
- ページ番号は、2ページ目から右上隅に表示する。
- タイトルページには、タイトルを中央揃え、引用符で囲み、25行目に大文字で記入する。その後、4行空行を空け、「By」または「Written by」と記入し、さらに1行空行を空け、最後に作者の名前を記入する。左マージン下に、簡単な連絡先情報と下書きの日付を追加することもできる。
- 多くの脚本は、「FADE IN」や「BLACK SCREEN」などのトランジションから始まり、その後に最初のシーンが続く。
- シーンの見出しは、すべて大文字で、INT（室内）またはEXT（屋外）で始まる。その後、正確な場所名を記入し、ダッシュを入れ、時刻を指定する。その後、Enterキーを押して、通常のフォントでシーンアクションを入力する。
- 台詞は、新しい行を開始し、キャラクターの名前（大文字）を入力し、左の余白から3.7インチの位置に配置し、Enterキーを押す。場合によっては、作家は名前直後にV.O.（ボイスオーバー）やO.S.（オフスクリーン）などの注釈を直接入力する。セス・ウォーリー氏は、これらの略語を次の行の括弧内に記載した。また、括弧内に形容詞を頻繁に使用することは避けるよう推奨している。俳優にセリフの言い方を指示するのは作家の仕事ではないからだ。
- 台詞は、キャラクターの名前の下に、左マージンから 2.5 インチの位置に、句読点なしで記載する。
Slugline や Final Draft などの特別なソフトウェアを使用する場合は、正しいフォーマットや余白についてあまり気にする必要はない。これらのプログラムは、新しいシーン、アクション、台詞の部分を追加すると、それを自動的に認識し、すべての要素を適切な位置に配置するように設計されている。
脚本を書く際の基本的なヒント（説明は簡潔にする、移行をできるだけ避けるなど）は他にもあるが、それは別の記事で扱うこととする。あるいは、MZed で「Writing 101」コースを全編見ることもできる。
『サブスタンス』の脚本における大胆でワイルドなフォーマット
さて、これまで学んだことや話し合ったことはすべて忘れて『サブスタンス』の脚本を読んでみて（少なくとも、一部は目を通してみて）。どう感じるだろうか？
鮮やか。狂気。ダイナミック。楽しい。パンチがある。大声。直球。
この脚本が非常に独特なスタイルと声を持っていることは否定できない。オスカーノミネートされたボディホラー映画自体も同様で、コラーリー・ファルジェが脚本と監督を手掛けた。彼女はフォーマットとタイポグラフィを、物語の怒りと暴力の延長として使用している。単なるシーンの描写ではない。いや、私たちは実際にそれらを感じている。まるでその場にいるかのように、この歪んだ世界に引き込まれている。大文字、太字の単語、黒い背景に大きなタイトル——それらは文字通り私たちに叫んでいる。不規則な改行とリズム感のある文は、物語のダイナミズム、緊張感、そして主人公の体験を反映している。彼女は、空間、距離、動きの構成を視覚的に強調している。例えば、エリザベスが男性用トイレに閉じ込められ、上司が彼女を侮辱する声を偶然聞いてしまうシーンでは、フォントが次第に小さくなっていくことで、彼が去っていく様子を文字通り「見」て「聞く」ことができる：
最終シーンは次のように見える（01:25から）：
この大胆な脚本フォーマットの選択は何を意味するのだろうか？コラーリー・ファルジェが私たちに語っているのは、親切で礼儀正しく、政治的に正しい物語ではない。 『サブスタンス』は快適に読む（または観る）ことはできない——最初の行からあなたの皮膚の下に浸透するように設計されている。受け入れるか、拒否するかだ。中立性や基準はここでは強く機能しない。
見せる、語らない
もちろん、『サブスタンス』が慣習の例外であるわけではない。実際、多くの作家は標準的な脚本レイアウトに特定のテクニックを組み込んでいる。例えば、フォントサイズを操作して緊張感、音、シーンのペース、またはカメラの動きを強調する手法がある。例えば、ダン・ギルロイが脚本・監督した『ナイトクローラー』（Nightcrawler）が、その後のシーンでこの手法をどのように使用しているかを確認してみよう。（脚本全文は こちらから閲覧できる)
ジェイク・ギレンホール演じるルー・ブルームは、ロサンゼルスで、テレビニュースに映像を売るために、残酷で不気味な犯罪現場を追いかける、精神的に不安定なフリーカメラマンだ。上記のフォントの選択が、描写されているカメラの動きだけでなく、主人公の強烈で、意欲的で、攻撃的な性格についても多くのことを伝えている。この脚本は全体が太字で書かれている。これは文体の選択である可能性もあるが、主人公と同じように、読者に不安や不安を感じさせる効果もあると思う。
脚本における一人称視点
『オッペンハイマー』（原題: Oppenheimer）の脚本にも、珍しい選択が見られる。クリストファー・ノーランは、この作品を一人称で書いている。これは非常に珍しい手法だ。（脚本全文はこちら）
この有名な伝記ドラマは、「原子爆弾の父」と呼ばれるロバート・オッペンハイマーの物語を、彼の天才性、罪悪感、そして彼の研究がもたらした政治的影響というテーマと絡めて描いている。
以前、記事で、『オッペンハイマー』のクローズアップが、私たちを科学者の頭の中に直接テレポートさせるような効果について紹介した。クリストファー・ノーランは、観客にオッペンハイマーをただ見るだけでなく、台本を読む段階からすでに彼自身を感じ、オッペンハイマーの視点の中で生きてもらいたいと思ったのだ。その主観的で体験的な表現は、この映画の主観的な構造を反映しており、非常に力強い。確かに、これは非常に珍しい手法だ。しかし、物語の理解に役立つのか？間違いなくそうだ。
ブラックエットと他の学生たちが去った後、私は片付けを始める——ブラックエットのために残されたリンゴ——茎と小さな葉がついた緑色のリンゴ。私はボトルの前で立ち止まる：「カリウムシアン化物」……不器用な手が震えながら、私はシアン化物を注射器に吸い上げる。リンゴに注射する……
クリストファー・ノーランの『オッペンハイマー』の脚本からの引用
フォーマットだけでなく、脚本言語も重要
ちなみに、脚本ルールを破ることが、最終的には映画にプラスになる例は他にもある。 シーン描写は、伝統的にはできるだけ短く、シンプルにするべきだと前述した。しかし、ロバート・エッガーズの『ライトハウス』（The Lighthouse）は、その道とはまったく異なるアプローチを取っている。その作品からの引用をいくつか紹介しよう。
OLD は用を済ませた。彼は自分の陰部を振った。ボタンを締め、ベッドの下にある便器を蹴った。尿がこぼれそうになったが、幸いにもこぼれることはなかった。
また、この行動の描写はどうだろう。
YOUNG は、屋根の軒下に隠れて、上の男を警戒しながらうろついている。彼はタバコを消した。
エガース兄弟は、脚本全体を 19 世紀の古風な英語で書いた。台詞だけでなく、非常に詳細で雰囲気のある場面描写も、典型的なハリウッドの脚本というよりも、短編小説を彷彿とさせる。なぜだろう？この映画は、嵐に襲われる岩礁に孤立し、狂気に陥っていく 2 人の灯台守の物語だ。それは超現実的で、歪んだ、暗く、ゴシック調で、解放感よりも抑圧感が強い。この脚本はトーンの青写真だ。台詞を読むだけで、私たちは1890年代のその島に運ばれる。没入感のある体験を可能にし、時代背景に忠実でありながら、のちの演出や動きの構成に明確に表れる舞台劇の影響も感じさせる。
この映画を、標準的な現代の脚本スタイルで書いたものを想像してみて欲しい。何かしっくりこないだろう。
まとめ
標準的な脚本フォーマットは不可欠だ。新しい創造的なアイデアを追求するためだけに、それを捨ててはいけない。結局、これは制作チーム全体が作業の基盤とする文書だから、すべてが明確で理解しやすく、操作しやすいものでなければならない。しかし、物語のためには、非伝統的な選択を取り入れ、執筆をより柔軟にアプローチするメリットもある。作家が自分自身に問うべき最も重要な質問は「なぜ」だ。単に楽しむためなのか、それとも実際に重要な要素をもたらすのか？
MZed はCineD が運営しています。
特集画像： 2024年、コラリー・ファルジェ監督の『サブスタンス』の映画スチールと、彼女の脚本からの抜粋を組み合わせたもの。
