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Hay infinitas maneras de dirigir una película. Algunos grandes directores pueden imaginar cada toma incluso antes de encontrar las locaciones adecuadas. A otros les gusta improvisar en el set. Hay quienes entienden el lenguaje de la cámara y quienes dejan que el director de fotografía lo resuelva mientras ellos centran toda su atención en los actores. Sin embargo, lo que todos los buenos directores tienen en común es su capacidad para crear una atmósfera en la que se desarrollen momentos reales, auténticos y emotivos. La dirección de método es una técnica específica para lograr precisamente eso. ¿Nunca has oído hablar de ello? No te preocupes. En este artículo, analizamos diferentes herramientas y ejemplos de cómo funciona.
Como habrás adivinado, el término “dirección de método” proviene del concepto de “actuación de método”. Así que, comencemos definiendo esta última. Aunque no utilizan el mismo enfoque, tienen mucho en común.
¿Qué es la actuación de método?
La actuación de método es una técnica basada en el “Sistema” desarrollado por el actor y director soviético Konstantin Stanislavski. Creía que los actores debían ir más allá de la imitación e intentar experimentar lo mismo que experimentaban sus personajes. Por lo general, esto implicaba que los actores recurrían a sus propias emociones y experiencias reales para brindar una interpretación más auténtica.
Diferentes escuelas desarrollaron aún más el Método y sus variantes. Por ejemplo, suele escucharse el nombre de otro profesional del teatro, Lee Strasberg (a quien incluso se le llamó “el padre del método de actuación”), y sus técnicas, basadas en aspectos psicológicos. No profundizaremos demasiado en este tema porque merecería un artículo aparte, pero es importante entender que el método de actuación es más que una herramienta específica. Es un sistema multidimensional con una rica historia detrás.
Aquí, sin embargo, lo reduciremos al “arte de experimentar”, en el que los actores viven plenamente sus papeles; Esto implica mantenerse “en el personaje” incluso fuera de cámara y entre días de rodaje para mantener el realismo. ¿Han oído hablar de cómo Heath Ledger se aisló durante semanas en una habitación de hotel para alcanzar la mentalidad del “Joker” en “The Dark Knight?” de Christopher Nolan? Escribió un diario dentro del personaje y experimentó con diferentes voces, mirando a la pared, riéndose para sí mismo, y gradualmente logró esta loca encarnación hasta un punto en el que todos los límites entre él y el Joker se difuminan. Eso también es una forma de actuación de método.
Dirección de método y su enfoque general
Si bien la “dirección de método” no es un término ampliamente formalizado ni universalmente reconocido, sí existe de manera informal y se refiere a un enfoque de dirección que se alinea con o apoya los principios de la actuación de método.
En general, incluye diversas técnicas para crear un ambiente en el set en el que los actores puedan sumergirse y desarrollarse plenamente en sus personajes. El objetivo es lograr la interpretación más auténtica posible. Algunas de estas técnicas utilizan trucos psicológicos, otras pueden basarse en ejercicios fisiológicos. ¡Y vaya si pueden ser manipuladoras y éticamente cuestionables a veces! A continuación, veremos algunos ejemplos de películas reales, pero recuerden que estas herramientas siempre deben usarse con precaución. Es importante asegurarse de que los actores puedan manejarlas. En algunos casos, incluso es imperativo discutir el enfoque planificado con antelación y obtener el consentimiento completo.
Orientación física
Las transformaciones físicas han formado parte del cine desde hace mucho tiempo. Todos podemos pensar en una historia poco saludable tras bambalinas que requiera un cambio drástico en el peso del actor principal, por ejemplo. Robert De Niro engordó más de 27 kilos para “Ragging Bull” e interpretó a Jake LaMotta en sus últimos años. Se dice que Cillian Murphy perdió mucho peso para lograr la apariencia físicamente demacrada de Oppenheimer y mantuvo una dieta estricta durante el rodaje, muy parecida a la de su personaje científico, que rara vez comía.
Sin embargo, la orientación física por parte de la dirección puede ir aún más allá. Tomemos como ejemplo “The Revenant”, que le dio a Leonardo DiCaprio su primer Óscar. Si viste alguna sesión de preguntas y respuestas sobre esta película, sabrás que tanto el equipo como el elenco suelen llamar a este proyecto “una aventura”, algo a lo que sabían que se habían comprometido. El thriller de supervivencia se rodó en locaciones reales, con temperaturas muy frías, condiciones climáticas extremas y días de rodaje extremadamente intensos. Soportar dificultades físicas reales ayudó a DiCaprio a crear una experiencia profundamente visceral que encajaba con el tono brutal de la película. Como explica el director Alejandro González Iñárritu en una entrevista, no dice que su proceso fuera bueno ni la única opción, pero para él, “The Revenant” tenía que ser un viaje, y no un viaje turístico con GPS, donde todo estaba planeado y a tiempo:
La retórica del proceso creativo al representar a un hombre en un modelo de supervivencia. Estaba allí con un personaje que intentaba sobrevivir. Sabía que la experiencia no debía ser intelectual.
Una cita de la entrevista con la revista “Deadline”
¿Podrían organizar esta filmación de manera más sencilla, o al menos en condiciones de rodaje más suaves? Claro. ¿Transmitiría la experiencia física al espectador de la misma manera? No lo creo. Por no mencionar que Leonardo DiCaprio comió hígado de bisonte crudo durante la escena en lugar de una réplica hecha de gelatina. Como él mismo dice, su reacción genuina se ve en la pantalla:
Conseguir una respuesta emocional real
Poner a los actores en condiciones físicas difíciles es una cosa. Jugar con sus cabezas es otra historia. En “The Shining”, Stanley Kubrick, famosamente (y de forma bastante controvertida), llevó a su actriz Shelley Duvall a un estrés emocional extremo para capturar el miedo y la ansiedad reales en pantalla. En mi opinión, este es más un ejemplo de dirección de método éticamente discutido, y no es algo que le recomendaría a nadie.
Al mismo tiempo, hay pequeños trucos psicológicos que pueden ayudarte a conseguir una emoción o reacción auténtica en una actuación. Un ejemplo brillante de este tipo de truco cinematográfico es la icónica caída de Hans Gruber (interpretado por Alan Rickman) en “Die Hard”. Repasemos primero la escena:
La toma donde vemos a Hans Gruber finalmente caer de la Plaza Nakatomi es una acrobacia controlada. El director John McTiernan y el equipo de especialistas le dijeron a Alan Rickman que lo derribarían a la cuenta de tres. Pero en realidad, lo hicieron a la cuenta de uno. Así que la sorpresa que vemos en el rostro del actor es real: no se lo esperaba en absoluto. Como resultado, el momento está lleno de auténtica intensidad. Sí, obviamente, puedes intentar realizar este truco solo en una toma, pero esta toma probablemente saldrá perfecta.
Desorientar intencionalmente a tus actores
Hablar de desorientar a tus actores a propósito es otro arte de la dirección de método, que a veces es muy poderoso (cuando encaja con la historia). ¿Recuerdan la película original de “Blade Runner”, con su famoso enfrentamiento entre el director Ridley Scott y el protagonista Harrison Ford sobre si el policía Rick Deckard era un replicante? Ford insistió en que Deckard era humano y lo representó como tal. Scott, por el contrario, editó diferentes versiones de la película (incluida la de 2007), y con cada una añadió más pistas de que Deckard era un replicante. La discusión continua creó cierta ambigüedad y tensión en la actuación, lo cual encajaba con el tema de la identidad de la película y también trasladó la incertidumbre a los espectadores (quienes, a su vez, han continuado la discusión hasta el día de hoy).
Este es un ejemplo interesante del que aprender. Si quieres que tu personaje crea de verdad en algo, puedes ocultarle información al actor o presentarle una idea que entre en conflicto con la historia de la película. O, por el contrario, darle datos importantes que nadie más conoce todavía (por ejemplo, si estás rodando una serie, antes de que estén disponibles los guiones de los próximos episodios).
Una técnica de dirección metódica para codirectores
Este tipo de distracción no es exactamente dirección metódica en el sentido tradicional, pero sin duda es una herramienta psicológica. Y como el término no existe oficialmente, me tomaré la libertad de incluir algunas técnicas que considero adecuadas.
Por ejemplo, si tienes codirectores en el proyecto, hay un truco que puedes probar en las escenas con diálogo (lo he usado más de una vez en mis propias películas y los resultados fueron asombrosos). Funciona así: Cada director toma a un actor aparte y le da instrucciones específicas que el otro desconoce. Esas instrucciones deben elegirse cuidadosamente de antemano y deben tener sentido para la escena.
Por ejemplo:
- Uno está impaciente y quiere la respuesta, el otro es entrometido y se toma su tiempo.
- Uno quiere acercarse, el otro quiere mantener la distancia física.
- A uno se le indica que se salga del guión, mientras que el otro debe ceñirse a sus líneas.
- Al escuchar una línea de diálogo, se debe detener bruscamente cualquier actividad que se esté realizando; El otro lo desconoce.
- Uno tiene intenciones secretas que no se ven en el guión, mientras que el otro tiene un objetivo contradictorio
y la lista continúa.
Al inculcar estas instrucciones en la cabeza de los actores, se les prepara a ellos y a sus compañeros para acciones y reacciones genuinas, lo que aporta una fluidez verdaderamente natural a la escena.
Enfoque naturalista en la dirección
Hace poco, vi un drama impresionante, “Harvest”, en un festival de cine. Dirigido por Athina Rachel Tsangari, la historia se ambienta en Inglaterra durante la Edad Media. Sigue a un pequeño pueblo remoto que depende de la ganadería y la agricultura, y cómo su forma de vida cambia durante una época de crisis económica y después de que otro señor reclamara las tierras.
Durante la sesión de preguntas y respuestas Athina confirmó que el protagonista, Caleb Landry Jones, es un actor de método: se sumergió en el personaje semanas antes del rodaje. Sin embargo, también compartió muchas anécdotas tras las cámaras, que sugieren que todo el proyecto se ajusta a la descripción de la dirección de método. La fotografía principal se realizó en un pequeño pueblo de Escocia. La única forma de llegar era en un pequeño tren local, que tomaron tanto los actores como todo el equipo detrás. Vivieron en el pueblo durante meses durante el rodaje. Juntos, sembraron los campos para las escenas y los cosecharon después. Para cada escena, intentaron tener siempre un ángulo de rodaje de 360° para que la acción se desarrollara con naturalidad. Esto incluyó un uso intensivo de la iluminación natural, la microfonía para todos y la colocación de micrófonos adicionales alrededor del césped.
Este enfoque también busca crear un entorno en el que sea más fácil vivir la historia con autenticidad, de verdad. Y, por cierto, les recomiendo encarecidamente que vean la película una vez que se estrene en cines.
El aspecto ético de la dirección de método
Pero la dirección de método también puede traspasar límites y entrar en una zona problemática. ¿Han oído hablar de “DAU”? Este proyecto comenzó como una película biográfica sobre el físico soviético Lev Landau, pero bajo la dirección de Ilya Khrzhanovsky, se convirtió en algo surrealista. En lugar de hacer solo una película, Khrzhanovsky creó un enorme set cerrado llamado “The Institute”, donde los actores (y no solo los profesionales) vivieron interpretando a sus personajes durante años. Una locura, ¿verdad? Claro, esto es una clara exageración del concepto de dirección de método. Sin embargo, plantea una pregunta importante: ¿qué es ético y qué no? Empezamos con esa idea y quiero terminar con ella también. Es fundamental tenerla siempre presente al aplicar una de estas técnicas en una película. Así que, por favor, asegúrate de hacerlo.
¿Qué opinas de la dirección de método y las técnicas que mencionamos? ¿Qué herramientas o trucos añadirías a esta lista? ¿Dónde está el límite ético, en tu opinión? ¿Qué está bien y qué no? Hablemos en la sección de comentarios.
Fuente de la imagen principal: fotogramas de “The Revenant” de Alejandro González Iñárritu, 2016; “Harvest” de Athina Rachel Tsangari, 2024; y “Die Hard” de John McTiernan, 1988.
Aclaración: MZed es propiedad de CineD.
