映画を演出する方法は無限にある。ある優れた監督は、適切なロケーションを見つける前に、すべてのショットを想像することができる。また、撮影現場で即興を好む監督もいる。カメラ言語を理解する監督もいれば、俳優に全神経を集中させながらDPに任せる監督もいる。しかし、すべての優れた監督に共通しているのは、リアルで本物の感動的な瞬間が繰り広げられるような雰囲気を作り出す能力だ。メソッドディレクションは、まさにそれを達成するための具体的なテクニックと言える。聞いたことがない？ご心配なく。この記事では、さまざまなツールと、それらが実際にどのように機能するかの例を紹介する。
お察しの通り、「メソッドディレクション 」という言葉は、「メソッドアクティング 」という概念から来ている。そこで、後者の定義から始めよう。両者は同じアプローチを用いているわけではないが、確かに多くの共通点がある。
メソッドアクティング とは何か？
メソッドアクティングとは、ソビエトの俳優であり演出家でもあったコンスタンチン・スタニスラフスキーによって開発された、いわゆる「システム」に基づいたテクニックだ。スタニスラフスキーは、俳優は模倣を越えて、登場人物が経験しているのと同じことを経験する必要があると考えた。多くの場合、それは俳優が自分自身の感情や実生活での経験を活かして、より本物の演技を提供することを意味していた。
さまざまな流派がメソッドとそのバリエーションをさらに発展させた。例えば、演劇の実践者であるリー・ストラスバーグ（「メソッドアクティングの父」とまで呼ばれた）の名前と、心理学的な側面に基づいた彼のテクニックはよく目にする。このトピックは別の記事にする価値があるので、あまり深入りしないが、メソッドアクティングは特定のツール以上のものであることを理解することが重要だ。それは豊かな歴史を持つ多次元的なシステムなのだ。
しかしここでは、俳優が自分の役に完全に入り込む「経験する技術」に絞る。そのためには、リアルさを維持するために、撮影の合間やカメラのないところでも 「役柄になりきる 」必要がある。ヒース・レジャーがクリストファー・ノーラン監督の『ダークナイト』で 「ジョーカー 」になりきるために、何週間もホテルの部屋に閉じこもったという話を聞いたことがあるだろうか？彼は役柄になりきって日記を書き、様々な声を試し、壁を見つめ、独り言を言って笑い、徐々にこの狂気を体現し、彼とジョーカーの境界線が曖昧になるところまで持っていった。例えば、これもメソッドアクティングの一種である。
メソッドディレクションとその一般的アプローチ
メソッドディレクションは、広く公式化された、あるいは普遍的に認知された用語ではないが、非公式には存在し、メソッドアクティングの原則に沿った、あるいはそれをサポートする演出アプローチを指す。
一般的に言えば、俳優が自分のキャラクターに完全に没頭し、生き生きと演じられるような環境を撮影現場に作り出すための様々なテクニックが含まれる。目標は、可能な限り本物の演技を得ることだ。これらのテクニックの中には、心理的なトリックを使うものもあれば、生理学的なエクササイズに基づくものもある。そして、それらは時に人を操り、倫理的に問題があることもある！以下、実際の映画からいくつかの例を見ていくが、これらのツールは常に注意して使用する必要があることを心に留めておいてほしい。俳優がそれらを扱えるかどうかを確認することが重要だ。場合によっては、事前に計画されたアプローチについて話し合い、完全な同意を得ることが不可欠でさえある。
身体的指導
肉体改造は長い間、映画製作の一部であった。例えば、主演俳優の体重を劇的に変化させる必要がある不健康な舞台裏の話は、誰もが思いつくだろう。ロバート・デ・ニーロは『レイジング・ブル』で晩年のジェイク・ラモッタを演じるために60キロ以上も体重を増やした。シリアン・マーフィーは、オッペンハイマーの肉体的にやせ細った外見を実現するために大幅に減量し、撮影中も厳しい食事制限を続けたと伝えられているが、これはほとんど食事をとらない彼の科学者としての性格に、おおいに近いものだった。
しかし、監督サイドからの肉体的指導はさらに踏み込むことができる。例えば、レオナルド・ディカプリオに初のオスカーをもたらした『レヴェナント：蘇えりし者』を見てみよう。この映画のQ&Aを見たなら、スタッフもキャストもこのプロジェクトを「冒険」と呼ぶ傾向があることを知っているだろう。このサバイバル・スリラーは実際のロケ地で撮影され、凍てつくような気温、狂ったような気象条件、非常に激しい撮影日数だった。実際の肉体的な苦難に耐えることで、ディカプリオは映画の残酷なトーンにマッチした、深く内臓に響く体験を作り上げることができた。アレハンドロ・ゴンサレス・イニャリトゥ監督があるインタビューで説明しているように、彼は自分のプロセスが良いとか唯一の方法だとは言わないが、彼にとって『レヴェナント：蘇えりし者』は旅でなければならなかった：
サバイバルのモデルになった男を描く創作過程のレトリック。私は、生き残ろうとする登場人物とともにそこにいた。その経験は知的なものであってはならないと思っていた。
Deadline誌のインタビューより引用
この撮影をもっとシンプルに、少なくとももっと穏やかな撮影条件で行うことはできなかったのだろうか？肉体的な体験を同じように観客に伝えることができるだろうか？私はそうは思わない。レオナルド・ディカプリオがゼラチンでできた小道具の代わりに、バイソンの生のレバーを食べるシーンがあったことは言うまでもない。彼自身が言うように、彼の本物の反応がスクリーンに映し出される：
リアルな感情反応を得る
俳優を肉体的にハードな状況に追い込むことと、彼らの頭を弄ぶのは別の話だ。スタンリー・キューブリックが『シャイニング』で、女優のシェリー・デュバルを極度の感情的ストレスに追い込み、本物の恐怖と不安をスクリーンに映し出したことは有名だ（そしてかなり物議をかもした）。私見では、これは倫理的に議論される演出法の一例であり、誰にでも勧められるものではない。
同時に、演技における本物の感情や反応を引き出すのに役立つ小さな心理的トリックもある。この種の映画的トリックの見事な例は、『ダイ・ハード』のハンス・グルーバー（アラン・リックマン扮する）の象徴的な倒れ方だ。まずはそのシーンを一緒に見直してみよう：
ハンス・グルーバーがナカトミプラザから落ちるショットは、コントロールされたスタントだ。ジョン・マクティアナン監督とスタントチームは、アラン・リックマンに3つ数えたら彼を落とすと言った。代わりに1カウントで落とした。だから、俳優の顔に見られるショックは本物だ：彼はこれをまったく予期していなかった。その結果、この瞬間は本物の激しさに満ちている。もちろん、このようなトリックは1テイクしかできないが、この1テイクが金字塔となる可能性は高い。
俳優を意図的にミス誘導する
俳優を意図的にミスリードさせるというのは、メソッドディレクションのもう一つの技法であり、時に非常に強力な効果を発揮する（もちろん、それがストーリーに合っている場合だが）。リドリー・スコット監督と主演のハリソン・フォードが、警察官のリック・デッカードがレプリカントかどうかで衝突したことで有名な、オリジナルの『ブレードランナー』を覚えているだろうか？フォードはデッカードは人間だと主張し、そのように描いた。それに対してスコットは、映画のさまざまなバージョンをカットし（2007年の最終カットを含む）、そのたびにデッカードがレプリカントであることを示す手がかりを増やしていった。この継続的な議論は、演技にある種の曖昧さと緊張感を生み出し、映画のテーマであるアイデンティティにふさわしいものであった。
これは学ぶべき興味深い例だ。登場人物に何かを心から信じてもらいたいなら、俳優から情報を隠したり、実際の映画のストーリーと相反する考えを提示したりすればいい。あるいは逆に、まだ誰も知らない重要な事実を与える（例えば、シリーズものを撮影している場合、次のエピソードの脚本が出揃う前に）。
共同監督のためのメソッドディレクションテクニック
このようなミスディレクションは、伝統的な意味での演出法ではないが、心理学的なツールであることは間違いない。そして、この言葉は公式には存在しないので、私が適切だと思うテクニックを勝手にいくつか紹介しよう。
例えば、もし共同監督がいるプロジェクトなら、会話シーンで試せるトリックがある。(私は自分の映画で何度も使ったが、結果は素晴らしかった）それは次のようなものだ： 各監督は一人の俳優を脇に置き、もう一人の俳優が知らないように特別な指示を出す。その指示は、事前に注意深く選び、そのシーンにとって意味のあるものでなければならない。
例えばこうだ：
- 一方はせっかちで答えを欲しがり、もう一方はお節介で時間がかかる。
- 一方は近づきたいが、もう一方は物理的な距離を保ちたい。
- 一方は台本を破るように指示され、もう一方は台詞を守るように指示される。
- ある台詞を聞いたとき、片方は自分のしている行動を突然止めるが、もう片方はそのことを知らない。
- 一方には台本にはない秘密の意図があり、もう一方には矛盾した目的がある。
といった具合だ。
このような指示を俳優の頭に植え付けることで、彼らや彼らのパートナーが本物の行動や反応をするように仕向け、シーンに真の自然な流れをもたらすことができる。
演出における自然主義的アプローチ
最近、映画祭で『ハーベスト』という印象的なドラマを見た。アティナ・レイチェル・ツァンガリ監督によるこの作品は、中世のイギリスを舞台にしている。家畜と農業を生業とする人里離れた小さな村が、経済的混乱期や別の領主の領有権主張によって、どのように生活様式が変化していくかが描かれる。
Q&Aでアティナは、主演のケイレブ・ランドリー・ジョーンズがメソッド俳優であることを確認した。しかし、彼女はまた、このプロジェクト全体がメソッドディレクションという表現に当てはまることを示唆する舞台裏のエピソードを数多く披露した。主要撮影はスコットランドの小さな村で行われた。そこへ行くには小さなローカル列車に乗るしかなく、キャストとスタッフは全員それに乗らなければならなかった。撮影期間中、彼らは何カ月もその村で暮らした。シーンのために畑に種をまき、後で収穫する。各シーンでは、アクションが自然に展開するよう、常に360度の撮影アングルを心がけた。そのため、自然光に頼り、全員にマイクを当て、草むらの周りにもマイクを配置した。
このようなアプローチは、物語をリアルに生きやすい環境を作ることでもある。ちなみに、劇場公開が決まったら、この映画を観ることを強くお勧めする。
メソッドディレクションの倫理的側面
しかし、メソッドディレクションは境界を越えて、すぐに厄介なゾーンに入ることもある。『DAU』をご存知だろうか？ソビエトの物理学者レフ・ランダウの伝記映画として始まったこのプロジェクトは、イリヤ・フルジャノフスキー監督のもと、シュールなものへと爆発した。単なる映画を作るのではなく、フルジャノフスキーは「インスティチュート」と呼ばれる巨大な閉鎖セットを作り、そこで俳優たちは（プロの俳優だけでなく）何年も役柄になりきって生活した。もちろん、これはメソッドディレクションの概念を明らかに誇張したものだ。しかしこれは、何が倫理的で何が倫理的でないかという重要な問題を提起している。私たちはこの考えから始めたが、最後もこの考えで終わりたい。これらのテクニックのいずれかを自分の映画に適用しようとするときは、常にこのことを忘れないようにしなければならない。だから、必ずそうしてほしい。
画像出典：アレハンドロ・ゴンサレス・イニャリトゥ監督『レヴェナント：蘇えりし者』（2016年）、アティナ・レイチェル・ツァンガリ監督『ハーベスト』（2024年）、ジョン・マクティアナン監督『ダイ・ハード』（1988年）のスチール写真。
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