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Hermoso, ¿verdad? ¡Simplemente hermoso! —¿Qué? —Todo. Cada detalle. Esta es una cita de “Train Dreams”, su conclusión, significado y mensaje principal. La película en sí es un poema visual, sereno, existencial y verdaderamente conmovedor. (¡Mi tipo favorito, qué puedo decir!). Con una merecida nominación al Oscar a la Mejor Fotografía, es también una obra de arte impresionante, nacida de un enfoque holístico y naturalista y momentos improvisados. Hablemos de los hermosos fotogramas de “Train Dreams”, la auténtica esencia de la película y cómo todo esto se logró en tan solo 29 días de rodaje.
“Train Dreams” es un poético drama de época sobre la vida cotidiana de un hombre, que abarca 80 años y muestra la existencia humana en este planeta en su forma más pura. Un niño huérfano, años de búsqueda de sentido y propósito, amor y familia, sueños futuros y cómo pueden morir de la noche a la mañana… Belleza y felicidad, de la mano de las dificultades y el dolor. Es una historia íntima y, al mismo tiempo, épica. Al final, el protagonista, Robert Grainier (interpretado por Joel Edgerton), parece encontrar una conexión entre todas sus experiencias. Nosotros, los espectadores, también. Después de ver “Train Dreams”, sentí como si hubiera tocado el corazón de algo mucho más grande, aunque solo fuera por un instante fugaz. En mi opinión, películas como esta son un medio importante para hablar sin palabras sobre los temas más profundos y universales.
Si no has tenido la suerte de ver esta obra maestra en los cines, ya está disponible en Netflix.
Habitando espacios en fotogramas de “Train Dreams”
“Train Dreams” es una película sobre la vida. Los cineastas querían abordarla casi como un documental, capturando la verdadera esencia de la vida, los recuerdos, los momentos fugaces y los momentos tanto felices como infelices. Sin embargo, también es un drama de época, una historia de ficción contada por actores profesionales, con un presupuesto adecuado, escenas desafiantes y un equipo numeroso. Así que, para filmar el mundo de “Train Dreams”, los creadores primero tuvieron que construirlo.
En la conversación con ShotDeck, el director de fotografía de la película, Adolpho Veloso, llamó a su enfoque “habitar los espacios”. Rodaron todo (o casi todo, con una o dos excepciones) en exteriores y construyeron allí todos los sets. La cabaña donde vive el protagonista con su esposa Gladys (interpretada por la increíble Felicity Jones) y su hija, es completamente práctica, hasta el más mínimo detalle. No había pared ni mueble con el que no pudieran filmar o actuar. Si los actores decidían cocinar, podían ir a la cocina e improvisar una escena. Siempre que querían representar un diálogo en la cama, estaba listo para ellos. Si la niña no quería quedarse dentro un día, el equipo se adaptaba y se le ocurría una nueva idea afuera.
Como explica Adolpho, muchas tomas de la película se planearon y prepararon meticulosamente con antelación. Sin embargo, también había mucho margen para la improvisación, las ideas de último minuto y los momentos “robados” que surgían sobre la marcha. Para que esto fuera posible, los cineastas mantuvieron los camiones y a la mayor parte del equipo lo suficientemente lejos. Los actores pudieron habitar realmente el espacio. Adolpho, quien solía operar la cámara, podía darle la vuelta y apuntar en cualquier dirección sin preocuparse por los soportes C. Suena similar al enfoque de “Hamnet”, otro drama de época nominado al Oscar del que hablamos ayer, pero multiplicado por diez. Para mí, es “dirección de método” en su máxima expresión. (Haz clic aquí para leer más sobre este término y filosofía). Como resultado, la película se siente auténtica, espontánea, cruda y mágica, como la vida real.
Iluminación natural y enfoque de las escenas
Este enfoque naturalista les implicó tener menos control del habitual. Para algunos cineastas, es un desafío salir de la zona de confort, dijo Adolpho. Pero durante el rodaje, se dieron cuenta de la libertad y el ritmo que podían adquirir de esta manera. ¿Sin reiluminación para un contraplano? ¿Nueva configuración de cámara en un abrir y cerrar de ojos? ¿Una escena completa terminada en 40 minutos? ¿Tiempo de sobra para que la interpretación se desenvuelva? Si a todo esto le sumamos los hermosos fotogramas de “Train Dreams” que presenció el equipo, el acuerdo estaba cerrado.
En la conversación, Adolpho explica cómo trabajaron una escena de picnic. Imaginen que el atardecer es a las 7 p. m. Saldrían y empezarían a prepararse a las 5:30 p. m. Primero, Felicity y Joel ensayarían junto con el director, Clint Bentley. Tras encontrar su posición para el diálogo, Adolpho tomaría la cámara y buscaría el encuadre. En este caso, rápidamente lograron un primer plano emotivo y extraordinario con una cámara en mano sobre un saco de arena. Inmediatamente supieron que toda la escena podía capturarse en una sola toma, así que esperaron a que el sol se pusiera y empezaron a grabar alrededor de las 6:20 p. m.
A veces ni siquiera cortaban; simplemente rodaban toma tras toma, improvisando y probando cosas diferentes. En las tomas finales, el sol ya se había ocultado tras el horizonte, pero sabían que la escena estaba asegurada. Después, Adolpho reposicionó la cámara para un plano general, que sólo tomó unos minutos debido a que el montaje era pequeño. Filmaron unos segundos para el inicio de la escena, y eso fue todo. Así lograron la continuidad en el cielo.
29 atardeceres
Si grabas en el momento adecuado del día, tu encuadre tiene una cualidad mágica. Algo que no siempre se puede replicar, ni siquiera con las luces más caras. Esta es probablemente la esencia de la vida de la que hablábamos antes. Sin embargo, para “Train Dreams”, solo contaron con la impresionante cantidad de 29 días de rodaje para capturar 80 años de la vida de Robert Grainier. ¡Eso significó solo 29 atardeceres! Además, Adolpho Veloso es partidario del enfoque de una sola cámara, por lo que no filmaron nada con varias cámaras en simultáneo. ¿Cómo fue posible?
En primer lugar, los creadores hicieron muchos splits. Es decir, empezaban sobre las 2-3 de la tarde y terminaban el día a las 2 de la madrugada. De esta manera, podían lograr escenas tanto diurnas como nocturnas y estaban “protegidos de la luz del mediodía”, como explica Adolpho.
En segundo lugar, eran conscientes de las limitaciones, y saber que solo había tiempo para dos o tres tomas benefició a todos. Aquí tienen un ejemplo de Adolpho:
En esta escena de la torre, Robert y Claire, una trabajadora de servicios forestales, hablan sobre los seres queridos que perdieron, el dolor y la naturaleza mientras construyen una conexión profunda y nada romántica. El director y el director de fotografía sabían que era un diálogo largo y exigente, y no querían presionar a los actores. Por eso, decidieron empezar a rodar las tomas individuales antes, cuando el sol aún estaba lo suficientemente alto. Sin embargo, pronto se dieron cuenta de que no funcionaba. La iluminación no era la adecuada, los actores tenían que entrecerrar los ojos y se perdió la magia de la hora mágica, a pesar de que se suponía que los personajes disfrutarían de una vista magnífica. ¿Cómo solucionaron este problema? Se detuvieron y esperaron una hora. Probablemente los productores se volvieron un poco locos. Luego, volvieron en el momento justo y, de repente, todo encajó. Incluso la primera toma después del descanso fue mejor que todos los intentos anteriores. Consiguieron rodar a tiempo tanto los planos simples como el panorámico desde el interior, e incluso tuvieron 20 minutos libres al anochecer para filmar espontáneamente una toma con grúa de Robert observando las estrellas.
Gran parte del proceso fue: Sí, tenemos 20 minutos. ¡Tomemos algo y grabemos!
Adolpho Veloso, de Shot Talk en YouTube
Presentando el lenguaje visual
Aunque se basaron mucho en la improvisación y el azar, hay una idea detrás de cada fotograma que sugiere la historia que cuenta. Por ejemplo, en las escenas familiares, Adolpho y el equipo sabían que debían rodar con la luz natural más hermosa: el atardecer, el anochecer y la hora azul. Debían filmar con los rayos de sol cayendo directamente sobre el sensor. Después de todo, estos eran los recuerdos más dulces del protagonista, y esos recuerdos suelen verse mejor en nuestra mente de lo que realmente fueron.
Por el contrario, otros momentos requerían una iluminación plana o dura. Por ejemplo, cuando Robert regresa a la cabaña, no ve más que cenizas. Es un desamor, un duro golpe del destino para él, por lo que los cineastas necesitaban un sol intenso para contrastar con las hermosas y cálidas escenas familiares.
Adolpho Veloso también profundiza en la relación de aspecto 3:2. Básicamente, es un formato muy utilizado, pero principalmente para fotografía fija más que para películas. Al usarlo, querían evocar la sensación de mirar fotografías antiguas e intentar reconstruir una vida a través de ellas. ¡Qué punto de vista tan poético!
Cámara y lentes tras los fotogramas de “Train Dreams”
En este video del making-of de Netflix, Adolpho Veloso comparte sus decisiones técnicas para “Train Dreams”. En cuanto a la cámara, utilizaron dos cuerpos ARRI ALEXA 35: uno filmando y el otro preparado para grúa/dolly/steadicam. Rodaron muchas escenas con la cámara en mano, por lo que era esencial contar con un sistema compacto. Como rodaron principalmente con la luz disponible, tener 17 paradas de rango dinámico les permitió filmar en situaciones difíciles. En palabras de Adolpho, algunas tomas están iluminadas literalmente por una sola vela o una lámpara de gas, y esto fue posible gracias a la cámara.
En cuanto a los lentes, Adolpho eligió dos sets diferentes. Para las secuencias de luz diurna, optó por lentes esféricos Kowa Prominar vintage. Le encantan porque “tienen los destellos solares más hermosos que jamás haya visto”. Dado que filmaron mucho al aire libre, el sol es un invitado destacado en los fotogramas de “Train Dreams”, y querían transmitir su magia; los lentes cumplieron su función a la perfección. Sin embargo, son bastante lentos y, por lo tanto, difíciles de conseguir para las secuencias oscuras. Por eso, para las escenas nocturnas, Adolpho eligió Zeiss Super Speeds (f1.3) para poder grabar literalmente con velas y fuego real. Sin filtros, sin LUT, sin forzar el ISO base de 800… Los cineastas querían ser fieles a lo que filmaban, y así lo hicieron.
Unas palabras sobre el rolling shutter
Otra decisión que realmente me inspiró fue el ángulo del rolling shutter. En las secuencias diurnas, Adolpho usó con frecuencia un ángulo de 45°. Cuando ves las escenas de batalla de “Saving Private Ryan”, famosamente filmadas con un obturador alto, se sienten hiperrealistas, demasiado frenéticas, casi demasiado. En “Train Dreams”, apenas se nota el entorno inusual . Como la cámara está tranquila y silenciosa, y hay poco movimiento rápido en los fotogramas, la ausencia de desenfoque de movimiento no es impactante. No parece hiperrealista. Más bien, se siente simplemente realista.
Al mismo tiempo, las escenas nocturnas se filmaron con un ángulo de obturador estándar de 180°. Naturalmente porque el equipo de cámara no podía sacrificar dos paradas, pero no fue solo por eso. Adolpho explica que intentó replicar cómo el ojo y el cerebro humanos perciben la realidad. Cuando hay mucha luz, solemos ver las cosas con mayor nitidez, con menos desenfoque de movimiento. Cuando hay más oscuridad, las cosas se vuelven borrosas. Los creadores de “Train Dreams” pretendían dotar a la película de realismo, y lo consiguieron.
Curiosamente, la única escena que rodaron con el Volumen fue la pesadilla de fuego de Robert con Gladys y su hija (fotos arriba). El director, Clint, quería lograr un look onírico y poco realista mediante un obturador de 356° y 5 fotogramas por segundo. Naturalmente, no podían filmar con un cortafuegos real, y sabían que sería casi imposible trabajar con un look tan borroso en efectos visuales si los efectos de fuego se añadían después. Por eso, solo para esta secuencia, recurrieron a la producción virtual.
Conclusión
“Train Dreams” recibió cuatro nominaciones en la 98.ª edición de los Premios Óscar, incluyendo Mejor Película, Mejor Guión Adaptado y Mejor Fotografía para Adolfo Veloso. Pronto sabremos si gana. Pero más allá del resultado, esta es una de esas películas que conmueve y perdurará en el tiempo, así que la recomiendo ampliamente.
¿Has visto “Train Dreams”? ¿Qué te parecieron sus encuadres poéticos? ¿Qué opinas sobre la luz disponible y el enfoque de “habitar espacios”? ¡Hablemos en los comentarios!
Imagen destacada: un fotograma de “Train Dreams” de Clint Bentley, 2025.
