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Los cineastas toman cientos de decisiones al enfocar una cámara. El movimiento, la elección del lente, el encuadre y el uso del color son solo algunas de las herramientas que cuentan la historia, junto con un equipo que apoya el proceso y un director como conductor. No es necesario saber tocar todos los instrumentos (ni aplicar maquillaje de efectos especiales, para usar el lenguaje cinematográfico). Sin embargo, es importante ser consciente de cómo las decisiones visuales afectan al público y comprender este “ingrediente secreto” llamado composición cinematográfica. ¡A continuación, hablaremos de algunos consejos, trucos y ejemplos menos obvios!
Este artículo se basa en la lección de Tal Lazar de su curso MZed “Cinematografía para Directores”. Tal es un cineasta y educador experimentado con un profundo conocimiento de las herramientas narrativas. Aquí, sólo presentaremos algunos de los secretos de la composición cinematográfica que revela en el curso.
Sin embargo, si quieres embarcarte en este profundo viaje con él de principio a fin, haz clic aquí.
La composición cinematográfica crea una conexión
¿Qué términos e imágenes te vienen a la mente cuando escuchas “composición cinematográfica”? ¿La regla de los tercios? ¿La proporción áurea? ¿El espacio negativo? Para mí, las primeras respuestas intuitivas se centran en técnicas específicas, como la simetría perfecta en las tomas o el desequilibrio del espacio libre.
En su curso, Tal Lazar define la composición simplemente como:
La disposición intencional de los elementos dentro de una imagen
La intención es la clave. Nada debe ser aleatorio. Incluso si algo es aleatorio y resultado de un error, el público asumirá que se colocó ahí con un propósito. Así funciona nuestro cerebro: está programado para encontrar significado, para conectar los puntos. Tomemos este ejemplo de la película “An Education:“
Al observar este encuadre, podemos asumir que la mujer en primer plano está reaccionando al hombre al fondo, aunque podría no ser así; Quizás simplemente no se siente bien.
Por eso la composición cinematográfica es tan poderosa, porque crea conexiones entre los elementos en pantalla, incluso si no están realmente relacionados. Tal nos insta a recordarlo siempre y a utilizar los elementos del encuadre de forma intencionada.
La disposición de los elementos visuales es importante
El segundo aspecto importante a tener en cuenta es la disposición de dichos elementos. Qué está más cerca de la cámara, qué está más lejos, qué se coloca en una esquina y qué está en el centro del encuadre y, aún más importante, cómo interactúan. Pero antes de profundizar en el lenguaje cinematográfico, aprendamos las palabras técnicas. Aquí están los principales bloques de construcción, o elementos visuales de la imagen, tal como los enumera Tal (Ya hemos hablado de algunos de ellos en detalle anteriormente, así que enlazaré los artículos correspondientes para que puedas leer más sobre ello).
- Las líneas – de diferentes tipos y calidades, pueden dirigir la atención del público y aumentar la intensidad de la escena.
- Formas y figuras – hablaremos de las más problemáticas a continuación.
- Espacio – espacio profundo, espacio plano, señales de profundidad y todo lo intermedio.
- Valor – brillo y oscuridad.
- El Color – no solo es importante para el estilo y la estética de la película, sino que también es una herramienta esencial para la narración.
- La textura – a menudo pasada por alto, ¡pero tan poderosa! (Observamos algunos ejemplos destacados aquí).
- El movimiento – las diversas historias que narra.
El verdadero poder cinematográfico reside en lograr que estos elementos interactúen entre sí. Ahí es donde entran en juego el contraste y la afinidad. El contraste es diferencia. La afinidad es similitud. Si todo en la imagen parece igual, nada se destaca. Cuando algo rompe ese patrón, llama la atención de inmediato.
Como explica Tal, estamos acostumbrados a pensar en el contraste como brillo vs. oscuridad, o luz vs. sombra. Sin embargo, en realidad tiene muchos significados. Puede estar en el tono (gracioso vs. triste), en la dirección (movimiento ascendente vs. descendente), en el color, etc.
El contexto también es importante para la composición cinematográfica
Consideremos esos elementos visuales como palabras en el lenguaje cinematográfico. Al igual que en la vida real, el contexto puede afectar el significado de una palabra en particular. Por eso, la tarea de nuestro cineasta es establecer la gramática de la película y enseñársela al público. Tal Lazar lo llama “uso asociativo de elementos visuales”. Básicamente, necesitamos establecer un vínculo claro entre cada elemento visual que utilizamos y el significado que conlleva dentro de nuestro mundo cinematográfico.
Por ejemplo, en el thriller de misterio de Fincher, “Zodiac”, la sala de redacción está muy iluminada, porque es donde se supone que la verdad debe salir a la luz. La oscuridad se usa para los lugares donde la verdad se oculta. Con el tiempo, el público aprende este lenguaje inconscientemente.
¿Qué forma es la más intensa?
Hay muchísimos secretos visuales que pueden ayudarte a construir tus escenas con intención y conmover al público. Empecemos por los más sencillos.
Las líneas horizontales y verticales en la composición de la imagen transmiten estabilidad, calma. Las diagonales, por el contrario, crean intensidad. Si inclinas toda la cámara -¡hola, ángulo holandés! —, añades instantáneamente inquietud y distorsión. A veces ni siquiera necesitas una línea en el encuadre; Nuestros ojos las dibujan de forma natural, siguiendo la geometría de un plano, como en el fotograma de “The Matrix” que aparece a continuación:
¿Esta composición se siente intensa y exagerada, incluso sin tener en cuenta la historia? Absolutamente.
En cuanto a las formas, Tal destaca los triángulos. Se forman a partir de líneas diagonales, pero también tienen una base y una cima. Las composiciones que utilizan esta forma enfatizan el peligro o alguna nave superior que viene desde arriba. Observa la siguiente escena de la saga “Breaking Bad” y enfócate en cómo se utilizan los triángulos:
Tal Lazar explica: Todo se trata de poder, y la persona más poderosa es la que está en la cima del triángulo visual (tanto en los planos extra amplios como en los primeros planos).
Composición cinematográfica en acción y progresión
La composición suele aplicarse a cada imagen, pero no es estática y puede evolucionar a lo largo de la escena. Por ejemplo, la siguiente escena de “Harry Potter” de Alfonso Cuarón es una toma larga. Sin embargo, cada momento está meticulosamente planeado para enriquecer la composición de la historia. Observa cómo todos los elementos visuales funcionan al unísono (a partir del minuto 06:23):
La composición también puede funcionar a un nivel subtextual más profundo, donde el significado de los elementos visuales cambia a medida que se desarrolla la historia. Tomemos el color como ejemplo.
El color puede afectar físicamente al espectador
El color es tan poderoso que puede afectar físicamente al espectador y engañar a la vista. En la lección de Tal, muestra un experimento sencillo. Hay una imagen debajo de este párrafo. Mira fijamente el punto negro en medio de los círculos de colores durante unos 15 segundos. Luego, cambia rápidamente a la siguiente imagen, sin mover la vista.
¿Qué sucedió? La mayoría de la gente diría que ve otro color que desaparece al mover la vista. Hay diferentes versiones de este efecto, pero el principio es el mismo: de repente vemos aparecer algo que en realidad no está ahí.
Este fenómeno se denomina constancia de color. Básicamente, nuestros ojos ajustan continuamente el balance de blancos de la realidad para que los objetos sigan siendo reconocibles en diferentes condiciones de iluminación. Para ello, nuestro sistema visual lo compensa desplazando la percepción hacia el extremo opuesto del espectro. Es genial, ¿verdad? Nuestra percepción del color cambia constantemente según el contexto. Probablemente conozcas este fenómeno por el nombre “efecto tablero de ajedrez”.
Lo interesante es que podemos usar este truco visual de forma creativa, y los cineastas lo hacen constantemente. Tal Lazar comparte la escena de “Raise the Red Lantern”, en la que una joven Songlian de 19 años conoce a su marido por primera vez.
Al principio, vemos un plano general dominado por el azul. Nuestros ojos se adaptan y lo equilibran. De repente, cortamos a una escena naranja cálida. El contraste de tonos nos impacta y nos resulta abrumador, emotivo. Más tarde, cuando el personaje yace en la cama, los rojos se intensifican con la historia: el color evoluciona a medida que crece el miedo de ella y la anticipación de él. Si hubiera estado tan saturado desde el principio, no nos impactaría tanto.
Conclusión
Naturalmente, estos son solo algunos secretos visuales que ayudan a crear una composición cinematográfica. Podríamos hablar por horas sobre el contraste y la afinidad, y cuándo usar uno u otro. La conclusión más importante es que no se trata de juntar imágenes bonitas. Se trata de controlar lo que siente el público, hacia dónde mira y qué conexiones establece. Así que, al bloquear y coreografiar tus escenas, recuerda el poder de la intención. Si quieres descubrir herramientas y técnicas más reveladoras, mira el curso deTal Lazar “Cinematografía para Directores” en MZed.
¿Cuándo fue la última vez que notaste una composición en una película que realmente te impactó y por qué crees que funcionó? ¿Alguna vez has intentado usar un truco visual como los mencionados anteriormente en tus propios proyectos? ¡Comparte tus opiniones y experiencias con nosotros en los comentarios!
Imagen destacada: fotograma de la película “Raise the Red Lantern” de Yimou Zhang, 1991.
Aclaración: MZed es propiedad de CineD.
