Video musical “Sickick – Mind Games” – Emocionante iluminación dinámica experimental

Video musical "Sickick - Mind Games" - Emocionante iluminación dinámica experimental

En esta publicación como invitado, el director de fotografía canadiense Matt Bendo comparte su enfoque creativo para trabajar en videos musicales, utilizando vidrio texturado como efecto de iluminación y explica por qué las habitaciones de hotel no son locaciones ideales.

El trabajo de Matt ya había aparecido en nuestro sitio antes. Nos encontramos con él una vez más, para hablar sobre lo emocionantes que pueden ser los flujos de trabajo experimentales. Mira nuestra entrevista con Matt, en la que nos cuenta todo lo que queríamos saber sobre su trabajo más reciente en un video musical.

¿Una pequeña introducción para comenzar?

Mi nombre es Matt Bendo y soy un director de fotografía con sede en Toronto, Ontario, Canadá. En abril de 2018 y en 2017, gané el Premio CSC (Sociedad Canadiense de Cinematógrafos) en Contenido de Marca para mis comerciales “Legacy” y “Storm”, respectivamente. Además de trabajar como DF, también soy director. Trabajo en una variedad de producciones, como cortometrajes, documentales, videos musicales y comerciales. En general, soy un narrador visual muy apasionado.

Video musical Sickick – Mind Games

Los videos musicales son una gran oportunidad para experimentar y tomar riesgos. Me encantan los videos musicales porque estás menos limitado por la realidad en comparación con una película narrativa. Si deseas que una persona camine por un muro, desafiando la gravedad, en un video musical puedes hacerlo. Todo puede ser justificado por tu interpretación personal de la música. En este video, hice que las luces del edificio de apartamentos estallaran en animaciones dinámicas porque la canción me hizo sentir que eso es lo que debería estar sucediendo. Estaba emocionado de trabajar en este proyecto, porque sabía que habría muchos desafíos que superar con el diseño de iluminación.

¿Cómo contribuyeron en la historia estas configuraciones dinámicas de iluminación?

Estas configuraciones de iluminación me permitieron mostrar al público que existe una forma de realidad diferente dentro de ese departamento. El objetivo de estas configuraciones de iluminación era dar a los post-coros un impacto extra. El título del video musical es “Mind Games” y pensé que atrapar a la audiencia por sorpresa con un show lumínico de alta energía iba a encajar perfecto.

¿Cómo se lograron estas configuraciones de iluminación dinámicas?

La iluminación dinámica se logró al poner juntas algunas herramientas diferentes. Esto incluyó el KinoFlo LED RGB FreeStyle Selects, dimmers RatPac, bombillas incandescentes, una computadora portátil, un iPad y el software Ableton Software. Ableton Software. La filosofía de esta iluminación se puede comparar a la iluminación sincronizada de los conciertos. Las animaciones/entradas se configuraron con keyframes y se reproducían en sincronización con la música. La reproducción de la iluminación sería exactamente la misma cada vez, para mantener la continuidad de la iluminación durante el proceso de edición. Todo estaba conectado con control DMX. Le pedí a mi operador de mesa, Mark Klassen – que es un narrador visual fantástico por derecho propio- que me de una sinopsis sobre las especificaciones técnicas de la configuración utilizada:

“Entre el controlador DMX y el software Ableton Software había un dispositivo de hardware de una compañía llamada Enttec. El producto en cuestión era el DMXIS que se conecta a tu computadora a través de USB y genera tanto DMX de 5 pines como de 3 pines. Solo permite un universo de DMX (512 canales). Sin embargo, para una operación pequeña donde se controlan solo un par de accesorios, hace bien el trabajo y es muy confiable. Los accesorios que requieren 1-5 canales son relativamente sencillos de programar. Una vez que empiezas a usar luces de cabezal móvil y otros dispositivos avanzados, resulta un poco engorroso para programar. Lo bueno de trabajar en Ableton es que puedes asignar la mayoría de las funciones a un controlador Midi y tener una manera física de programar las luces. La programación dentro de Ableton, para alguien como yo, que todavía es nuevo, puede llevar mucho tiempo. Debo señalar que varios otros programas de iluminación son compatibles con DMXIS. Decidí usar Ableton porque fue el primer programa que se me recomendó cuando ingresé a la programación lumínica y es muy versátil “.

A continuación se muestra un video que muestra el desarrollo y el testeo de la plataforma.

¿Por qué elegiste trabajar tanto como Director como Director de Fotografía?

Elegí trabajar como ambos para este proyecto, porque me permitió crear las imágenes que deseaba, al mismo tiempo que agilizaba el proceso de toma de decisiones. Soy un director de fotografía, pero dirigir el proyecto también me permitió tomar decisiones que se ajusten a mis deseos cinematográficos. Siempre busco superar mis límites y trato de aprender todo lo que pueda con cada nuevo proyecto que emprenda. Creo que es realmente importante colocarnos en posiciones que nos hagan sentir incómodos para que podamos crecer. Tener una gran cantidad de control creativo sobre el proyecto funcionó bien para mí, porque había mucha improvisación en el set y había que resolver problemas a último momento.

¿Cómo se te ocurrió el concepto para este video musical?

La mayoría de las veces, desarrollo mis conceptos a partir de una sola imagen visual que aparece en mi cabeza. Raramente es la historia la que despierta mis ideas, sino más bien un escenario que permite la creación de imágenes visualmente impactantes. Luego de escuchar la canción, imaginé al artista sentado en la cama de un motel, mientras las luces a su alrededor se movían al ritmo de la música. Con ese escenario visual inicial en mi mente, comencé a desarrollar el concepto hacia afuera, para justificar ese deseo visual inicial. A partir de ahí, construiría una historia y comenzaría a descubrir el concepto por mí mismo.
Durante el proceso de pre-producción, me gusta editar y preparar un video con referencias visuales que me ayuden a comunicar el estado de ánimo y el ritmo del proyecto. Hacer esto me permite comprender cuánto material se necesita para cada segmento antes de que realmente se produzca la producción.

Previamente habías trabajado con tarros de conservas para crear efectos de iluminación. ¿Hiciste algo similar durante este proyecto?

Me gusta mucho experimentar con diferentes tipos de modificadores de vidrio delante de mis fuentes de luz (Aquí está el artículo de Matt sobre la experimentación con tarros de conservas). En este video musical, utilicé una vieja pieza de vidrio texturado en frente de una fuente Fresnel. My Gaffer, Samuel Pollock y yo creamos un marco de aluminio para albergar la lámina de vidrio. El vidrio tenía todo tipo de deformaciones interesantes que me permitieron crear patrones interesantes de luz. Tenía una lámpara fresnel sobre un dolly Dana que escaneaba el vidrio texturado. Esto es similar en principio al artículo de tarros de conserva. Debido a la neblina, la luz del vidrio texturado no solo creaba textura en las superficies que alcanzaba, sino también en las áreas por las que atravesaba esa luz.

Aquí hay un video que muestra los efectos que creó el vidrio texturado:

¿Qué lentes/cámaras se usaron para el video?

Este video musical se rodó en la ARRI Alexa Mini con los lentes Anamórficos Cooke 2x Squeeze SF. Durante el etalonaje, agregamos aberraciones cromáticas, halos, desenfoques y otros artefactos en la imagen alrededor de los bordes. Estos lentes nos parecieron demasiado “limpios” ópticamente para este proyecto y esto ayudó a dar a nuestras imágenes una apariencia única. Me sorprendió lo orgánicas que se veían las imágenes finales. Tiendo a no usar filtros delante de mis lentes porque me gusta mantener mi material tan limpio como sea posible y esperar a la sesión de etalonaje para poder darle un look a mi imagen. El video musical se terminó en una relación de aspecto de 2,66:1, que es diferente a la relación de aspecto anamórfico habitual de 2,39:1/2,35:1.

¿Cómo se utilizó el color para narrar la historia y acentuar la cinematografía?

Trabajo con un colorista llamado Clinton Homuth, que tiene su base en Alter Ego en Toronto. Su trabajo agregó un elemento al look del video musical que no hubiera podido lograr yo solo. Separamos visualmente el video musical en diferentes actos utilizando una paleta de colores distinta para cada escena.
Creo que la escena donde Sickick está tocando la máquina de ritmos en la mesa de la cocina mientras desde arriba cae el polvo de oro es la que más impacta visualmente. Decidimos hacer que la atmósfera de la habitación fuese cian y luego cambiar el color a naranja cuando entra el post-coro. El uso del contraste de color en esta transición crea una fuerte yuxtaposición que hace que el cambio en la estética sea más impactante. Hay una gran cantidad de estimulación visual que está sucediendo en toda esa secuencia.

Mi diseñador de producción Avalon McLean-Smits desempeñó un papel clave en ayudarme a desarrollar las paletas de colores del video musical. Nuestro objetivo era crear una estética extraña, retro-futurista y ambigua, pero ajustándonos a una paleta de colores estricta. Queríamos incorporar la cantidad perfecta de rareza en la decoración del set sin ser exagerados. Muchos de los sentimientos que estaba tratando de infundir en la audiencia se deben al diseño de producción. Tuve la suerte de tener un diseñador de producción que estaba muy entusiasmado con el proyecto y que me ayudó a lograr mi visión.



¿Rodaste en locación o en un decorado?

Originalmente, se suponía que la producción tendría lugar en un motel, pero nosotros no pudimos encontrar un motel que se ajustara a nuestra estética deseada. Las ubicaciones de los moteles eran demasiado pequeñas y no nos permitían crear la cantidad deseada de profundidad que queríamos en nuestras tomas. Además, habría sido difícil para nuestro numeroso personal poder moverse libremente.
Decidimos rodar en un estudio llamado Digital Canaries en Hamilton, Ontario. Un beneficio de Digital Canaries es que no solo es un estudio, sino también una casa de utilería. Tuvimos acceso a cientos de diferentes piezas de decoración de arte vintage que nos permitieron crear la estética que originalmente deseábamos.
Filmar en un estudio les permitió a todos moverse libremente y trabajar eficientemente. También nos permitió tener nuestras luces apostadas afuera de las ventanas falsas del set. Esto fue importante porque nuestro proceso de configuración requirió un día de pre-iluminación. Pudimos hacer que las luces se armaran por la noche durante los 3 días de nuestro calendario de rodaje.
Las soluciones de energía y espacio adecuadas disponibles nos permitieron ir construyendo el concepto exponencialmente porque teníamos los recursos suficientes para incorporar un montón de “bloques” prácticos y dinámicos.

Para poder tener una impresión general de nuestra producción, recomendaría ver el video de BTS “Behind The Sickness” creado por Rayn Magic:

¿Opiniones finales?

Afortunadamente, pude trabajar con un grupo de personas increíblemente talentoso que trabajaron duro para crear este proyecto. Debes poder confiar mucho en tu equipo, si quieres que rindan al máximo de su capacidad, para crear juntos algo de lo que todos puedan estar orgullosos.

Descubre más sobre los trabajos creativos de Matt ingresando en su sitio web o su página de Vimeo

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