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皆さんはどうかわからないが、私にとって音楽はしばしばテレポーテーションのような役割を果たす。特定の曲やメロディーは、私（あるいはこの場合は観客）を瞬時に特定の年代や重要な出来事、あるいは愛おしい思い出へと連れ去り、その過程でさまざまな感情を呼び起こしてくれる。映画にも同様の手法がある。いわゆる「ニードル・ドロップ」だ。ニードル・ドロップとは、シーンのために新しい楽曲を作曲する代わりに、既存の曲を採用する瞬間を指す。この「近道」が、いかに多様な形で活用されてきたかを追ってみよう！
「ニードル・ドロップ」は業界で正式に用いられる用語であり、いくつかの意味を持つ。例えば、一部の音楽ライブラリや広告代理店では、「ニードル・ドロップ」ごとに料金を請求している。この料金体系では、クライアントは包括的なライセンス料ではなく、楽曲の使用1回ごとに料金を支払う。繰り返し使用する場合は、追加のライセンスが必要になる場合がある。しかし、本記事で取り上げるのはそれではない。以下の例では、映画製作者たちは予算上の理由ではなく、意図的なストーリーテリングの判断として楽曲を選んでいる。
用語の由来
「ニードル・ドロップ」という用語は、レコードから直接由来しており、DJが音楽を再生するためにレコードに針を落とすという文字通りの行為を指す。簡単に言えば、映画制作において、この用語は映画のために特別に作曲された音楽ではなく、既存の楽曲を使用することを指す。多くの場合、その曲は人気のあるジャンルに属し、観客にはすでに馴染みのあるものだ。
この手法の明確な「発明者」は存在しないが、多くの映画史家は『ブラックボード・ジャングル』（1955年）を、この手法の先駆けとなった作品として挙げている。リチャード・ブルックス監督のこのドラマは、ビル・ヘイリー＆ヒズ・コメッツの「ロック・アラウンド・ザ・クロック」という、当時発売されたばかりのロックンロールのシングルが、クレジット画面の上で大音量で流れる中、いきなり幕を開ける。こちらがそれだ：
この動画の下にあるコメントが特に気に入っている。投稿者の母親が『ブラックボード・ジャングル』の劇場公開時に観に行った際、曲が流れ始めた途端、「10代の若者たちは皆、席から立ち上がり、通路でさえも踊り始めた」というのだ。伝えられるところによると、観客を落ち着かせるために劇場支配人が出動したそうだ。まあ、何と言えばいいだろうか。当時の観客にとって、スタジオ映画がそのような形で始まるのを耳にするのは、まったく新しい体験だったのだ。
映画におけるニードルドロップ：その導入方法の多様性
この手法が映画界で広まるにつれ（『イージー・ライダー』や『卒業』が思い浮かぶ代表的な例だ）、映画製作者たちはそれを用いるあらゆる理由を見出した。それらについては後ほど掘り下げる。だがまず、映画製作者がどの曲をニードルドロップとして使うかを決める過程に興味がある。実際、そのアプローチは実に様々だ。
時には、まったくの偶然であることもある。フランシス・フォード・コッポラは、『アポカリプス・ナウ』の冒頭にドアーズの「ザ・エンド」を流すことを決めたが、それは半分冗談のつもりだった。編集者のところを訪れた際、ドアーズのレコードが山積みになっているのを見つけたからだ。つまり、脚本に書き込まれた選択ではなかったのだ。実は彼とドアーズのボーカル、ジム・モリソンは、何年も前に同じ映画学校（UCLA）に通っていた。コッポラは伝えられるところによると、「『ザ・エンド』という曲を映画の冒頭に使ったら面白いんじゃないか？」と語ったという。冗談として始まったことが、映画史に残る最も印象的なオープニングシーンの一つとなった。曲の冒頭の歌詞「This is the end」は、炎に包まれたジャングルの映像と共に流れ、その後の展開全体に不穏な雰囲気を醸し出している。私の見解では、これは適切に選ばれたニードルドロップがシーンをいかに変容させ得るかを示す、最も力強い例の一つであり続けている。
登場人物の思考を伝えるニードルドロップ
また、曲の歌詞そのものが監督の注目を集め、映画に取り入れられることもある。『ウォルター・ミティの秘密の生活』では、ウォルターが安全に地上にとどまる代わりに、飛び立つヘリコプターへと飛び乗る場面で、デヴィッド・ボウイの「スペース・オディティ」が流れる。彼は空想を現実の世界へと追い求めているのだ。監督兼主演のベン・スティラーは、この瞬間を「ウォルターにとって、空想と現実が融合する瞬間」と表現している。この曲は確かに適切な感情的なムードを醸し出しているだけでなく、ウォルターの頭の中で何が起きているかを物語っているのだ。「グラウンド・コントロール、メジャー・トムへ！」
このシーンでは、まずダイジェスティックな形で（つまり、バーで演奏されている音楽を登場人物たちが聴いている状態）楽曲が流れ始め、その後、オリジナルの非ダイジェスティックなバージョンへと移行する。（この2つの違いについては、こちらを参照。）有名な楽曲をダイジェスティックに導入したもう一つの素晴らしい例は、『プロジェクト・ヘイル・メアリー』に登場するハリー・スタイルズの「Sign of the Times」だ。サンドラ・ヒュラー演じるエヴァ・ストラットは、宇宙飛行士や科学者たちとのカラオケの集まりでこの曲を歌い、普段は控えめな外見の下に隠された、めったに見せない弱さを垣間見せる。その舞台裏のストーリーも同様に興味深い。ヒュラーは、セットで彼女が歌っているのを伝えられるところによると耳にしたライアン・ゴズリングから、カラオケシーンへの出演を提案された後、自らこの曲を選んだのだ。クリストファー・ミラー監督によると、このシーンはわずか36時間で完成したという。
陽気な曲を、その場でもっとも恐ろしいものに変える
当然ながら、最初からどのBGMが必要か分かっている監督もいる。例えば、『レザボア・ドッグス』では、クエンティン・タランティーノが、捕らえられた警察官が拷問を受けるシーンに、スティールズ・ホイールの軽快な「Stuck in the Middle with You」を用いた。この曲は暴力とは全く無関係だが、私の見解では、それこそがあのシーンをこれほどまでに見ていられないものにしている理由だ。（だから、画面上の暴力に耐えられる人だけ、ぜひもう一度見てほしい。）
タランティーノは様々なインタビューで、この選択は意図的なものだったと説明している。彼はオーディションを受ける俳優たちに事前に、どの曲を使うつもりかを伝え、希望があれば代わりの曲を提案するよう挑発さえした。「ほぼ全員が『Stuck in the Middle with You』を持ってきていた……他の曲を考えようとしたが、やっぱりあれしかなかった」。つまり、強烈な「ニードルドロップ」とは、必ずしも画面のムードに合致する曲とは限らない。時には、あえて合致しない曲こそが選ばれることもあるのだ。
キャラクター描写としてのニードルドロップ
サウンドトラックにクラシックヒット曲を採用した映画について語る際、『ガーディアンズ・オブ・ギャラクシー』を見逃すことはできない。この映画（というか、このシリーズ）では、ニードルドロップが主人公にとって個人的なものであるだけでなく、物語そのものの一部となっているのだ。第1作に登場する楽曲は、「Awesome Mix Vol. 1」というミックステープに収録されており、これは主人公ピーター・クイルの死の床にある母親からの贈り物だ。彼女は彼が子供の頃にこれを渡し、数十年経った今でも彼はそれを持ち歩いている。
各楽曲がキャラクターに「属している」ものであり、彼をより深く理解する手助けとなるため、これは興味深い音楽的選択だ。例えば、上記のオープニングシーンで流れるレッドボーンの「Come and Get Your Love」は、単に楽しい「ダンス」の雰囲気を醸し出しているだけではない。これは文字通りピーター・クイルが聴いている曲であり、映画はその理由が分かるまで観客をじらしてくる。この楽曲は、彼の自由と支配への渇望を象徴し、孤独や深い郷愁を覆い隠し、母親や地球での子供時代との具体的なつながりを表しているのだ。
ジェームズ・ガン監督『ガーディアンズ・オブ・ギャラクシー』（2014年）の映画スチール
半ば忘れ去られたポップソングに新たな命を吹き込む
一部の映画では、人気曲のニードルドロップが主にマーケティング目的で用いられる。しかし、時にはその逆のケースもある。映画が古い曲をチャート上位に押し上げることもあり、『ソルトバーン』はその好例だ。
ソフィー・エリス＝ベクスターの2001年のヒット曲「Murder on the Dancefloor」をBGMに、オリバーが空っぽの大邸宅を裸で勝利のダンスを踊るシーンは、その賞シーズンで最も話題になったシーンの一つとなった。
エメラルド・フェネル監督は、その曲に求めるトーンについて明確に語った。「それは冒涜の行為であり、領土を奪う行為でなければならなかった…… 観客にも共犯者になってほしいのだ」。その特定の曲が持つ、明るく、ほとんど安っぽいほどの陶酔感がなければ、彼女が目指した「憂鬱な勝利」という結末は成立しなかっただろうと彼女は語っている。単に、同じレベルの「邪悪な喜び」が感じられなかったはずだ。
正直なところ、私はこの映画の終盤が気に入らなかった。数々のフラッシュバックや説明が、私にとってはストーリーの面白さを台無しにしてしまったからだ。とはいえ、このシーンには確かにスタイルがある。
まとめ
つまり、ニードルドロップは、特定の文化への言及や、観客を映画館に呼び込むためのマーケティング手法に留まらない。物語の重要な要素となり得るのだ。特定の雰囲気を醸し出し、恐ろしい瞬間を強調し、キャラクター描写に貢献し、あるいは私たちを過去にタイムスリップさせることもある。映画製作者であるあなたが、それが何を伝え、なぜそうすべきかを正確に理解している限りは。
トップ画像： エメラルド・フェネル監督『ソルトバーン』（2023年）の映画スチール。
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