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「素晴らしい！では、撮影を始めよう！」 撮影現場で、この言葉をどれくらいの頻度で耳にするか、あるいは口にするか？編集室で映像が足りないことに気づいたことはあるか？逆に、ポストプロダクションで半分のファイルを捨てることを承知で、過剰に撮影してしまうこともあるだろうか？もちろん、唯一の正しいアプローチはない。シーン、状況、個人の好みによって異なる。では、予備のショットはいつ価値があるのだろうか？何を高め、逆に何をか損なう可能性があるのだろうか？現代の映画監督たちがこのテーマをどう扱っているかを見てみよう。
ドイツの有名な映画監督、ヴェルナー・ヘルツォークはかつて、完成した映画は自分の頭の中で再生される、と有名な発言をしている。彼の言葉によると、その場で迷った場合は、決定をポストプロダクションに先送りしてしまうことがあるそうだ。それはそれでいい。しかし、ヴェルナー・ヘルツォークにとってはそうではない。なぜなら映画の重要な要素——リズム、演技の質、間違ったキャラクターへの焦点——はポストプロダクションでは修正できないからだ。「セットで責任を持って、その場で正しく行うべきだ」と彼は言う。
厳しい言葉に聞こえるかもしれない。しかし、彼の言葉には真実がある。一方で、一部の監督はこれに反対し、異なるアプローチを選ぶだろう。結局のところ、映画制作は芸術であり、芸術は常に主観的なものだからだ。では、どのような選択肢があるのだろうか？
撮影の普遍的な原則
まず、映画学校で学ぶ普遍的な原則から始めよう。MZedの「Directing Motion」コースでは、コマーシャルディレクターでピューリッツァー賞受賞者のヴィンセント・ラフォレが、撮影の主な考え方を解説している。
まず第一に、カバーショットを確保することだ。通常、私たちは可能な限り撮影を綿密に計画するように努める。（イベント映画や旅行ドキュメンタリーはここでは考慮しない。）理想的なのは、監督が撮影前にシーンのカットを既に決めている場合だ。これはヴェルナー・ヘルツォークの引用にもある通りだ。しかし、計画通りに行かないこともある。
フォーカスがずれる、俳優が台詞を間違える、ブームがフレームに入るなど、様々なことが起こる。カバレッジの考え方は、シーンを少なくとも3回連続で撮影し、逆の角度からも撮影すれば、ミスをカバーする十分な素材が得られるというものだ。
ヴィンセント・ラフォレの引用（MZed コース）
第二に、特別に設計されたカバレッジは、シーンの緊張感を高め、より魅力的なものにするのに役立つ。古典的な慣習では、ワイドからミディアム、そしてタイトへと移行することでそれを実現する。ヴィンセントが説明するように、ワイドショットでは、シーンの地理的関係を確立し、観客が空間の中で方向感覚をつかむのを助ける。ミディアムショットでは焦点が特定の個人に絞り込まれ、視聴者にその人物を紹介する。その後、カメラをさらにクローズアップし、キャラクターの目をより明確に映すことで、その感情に視聴者を引き込む。
もちろん、これは確立されたルールというより伝統に近いことだ。このルールを破る創造的で力強い方法は数え切れないほどある。しかし、初心者であれば、このようなアプローチでカバー範囲を設定するのが最初のステップとして適しているかもしれない。
撮影アプローチにおけるダイナミックな多様性
マイケル・ベイの例から始めよう。これは彼の特徴的なスタイルのようだ。「トランスフォーマー」の監督は、非常に速い撮影と、オーケストラのようなカメラの配置で、広角、中距離、クローズアップ、オーバーヘッド、POVなど、さまざまな角度を同時に撮影することで知られている。（ここでは誇張しているかもしれないが、ポイントを強調するためだ。）例えば、Netflixのシリーズ『6アンダーグラウンド』では、同シリーズの撮影監督ボヤン・バゼリによると、大規模なアクションシーンでは一度に約10台のカメラを回していたそうだ。異なるレンズを装着した最大8台のRedカメラに加え、GoPro Hero、ソニー a7s、iPhone Xなどの小型カメラも使用されていた。
このようなシーンでは、難しいスタントや特殊効果が必要で、リセットに時間と費用がかかるため、複数の角度から同時に撮影する必要がある。また、すべてのスタントコーディネーターは、不必要に繰り返すことは避けるようアドバイスする。これは常識であり、ほとんどの監督が同意するだろう。
しかし、マイケル・ベイは他のシーンでもマルチカメラアプローチを採用する。なぜだろうか？それは、現場とポストプロダクションの両方で高いエネルギーを維持するためだ。短い効率的なテイクは俳優がシーンに集中しやすく、編集者は多くのRAW素材を自由に編集できる。マイケル・ベイの極めてダイナミックな編集スタイルは有名だ。（私はそれを視覚的に過刺激的と呼ぶかもしれない。）そのため、過剰な撮影がそれを実現する鍵となる。
カバー範囲の最大化路線
「デジタル撮影になった今、カバー範囲を緩くしても大丈夫だ」と言う人もいるかもしれない。しかし、それはデータの種類やその限界だけの問題ではない。フィルム時代から最大主義的なアプローチを追求してきた伝説的な映画監督も存在する。その代表例が、ピーター・ジャクソンと『ロード・オブ・ザ・リング』三部作のワークフローだ。
彼は、編集の柔軟性を確保するために、可能な限り多くのカメラと角度から撮影する習慣があったことはご存知かもしれない。さらに、三部作を通じて、ピーター・ジャクソンはシーンごとに数多くのテイクを要求し、繰り返し「もう1回、運試しに！」と叫んだことで有名だ。クリストファー・リー（サルマン役）は、あるシーンで12テイク撮影したと話したエピソードがある。その後、ガンダルフを演じたイアン・マッケランは、前日に2行の台詞で24テイク撮影したと肩をすくめて答えたそうだ。
これがピーター・ジャクソンの仕事ぶりだった。俳優にとっては異例で、過剰な完璧主義者で、細部へのこだわりが過ぎる。しかし、このアプローチが私たちに残した遺産を見ると、個人的には、「ロード・オブ・ザ・リング」のディレクターズカット版を毎年見直しても、その素晴らしさ、魅力、視覚的な美しさに感嘆する。まさに傑作だ。
誘惑に抵抗する
一方、制約を設けることを好む監督もいる。「Team Deakins」ポッドキャストで、デニス・ヴィルヌーヴは、その結論に至った経緯を説明している。
彼は、初期の映画『インシディアス』の撮影中だった。映画の最後で、主人公の兄妹が大きな真実を悟るシーンがある。（物語の最大の展開なので、詳細は省く）そのシーンで、彼らは建物から出てきて、デニスは素晴らしい広角ショットを捉えたと回想している。そのショットは、彼らが広大で恐ろしい世界の中で迷子になり、小さな存在だと感じる気持ちを完璧に表現していた。彼は当時、こう思ったそうだ。「これだ。全てがここにある。」そして次に覚えているのは、撮影監督に「カバーショットを撮ろう」と言ったことだ。
その瞬間、自分を憎んだ。別のショットを撮った時、私は考えていた。何をしているんだ？ 私は臆病者だ。直感を信じない。二度とこんなことはしない。
デニス・ヴィルヌーヴの「Team Deakins」ポッドキャストからの引用
「二度とやらない」が彼のモットーになった。そのため、『ボーダーライン』で同様の場面が訪れた時、彼は完璧なワイドショットを撮った後、カバーショットを拒否した。具体的には、このシーン（05:08から）だ。
デニスの言葉によると、クローズアップでは表現できないものもある。このショットでは、その環境の中でキャラクターの脆弱さが感じられ、彼女の動きが多くのことを表現している。力強く、意味深いシーンだ。同時に、監督は「安全のため」にクローズアップに切り替えた場合、編集時にそのクローズアップを使うことを余儀なくされたかもしれないと説明している。彼はその誘惑に負けないよう、そのシーンを撮影しなかった。
これは確かに大胆なアプローチだ。リスクを冒し、直感を信じる必要がある。しかし、そうすることで、新たな超能力を手に入れたような感覚を得られる。
映画全体を通して単一のレンズを使用
制約は、強力な創造力のツールにもなり得る。制約は、セットで必ず発生する問題に対して、さまざまな解決策を考え出すことを促す。
例として、2017年のルカ・グァダニーノ監督の『君の名前で僕を呼んで』を見てみよう。この映画の特別な点は何だと思うだろうか？それは、撮影のミニマルなアプローチだ。グァダニーノと撮影監督のサヨンブ・ムクディプロムは、映画全体を通して、観察用のクック S4/i 35 mm プライムレンズを 1 本のみを使用することに決めた。レンズの切り替えも、広角レンズへの切り替えも、ミスも許されない。
撮影監督は、さまざまな理由からこの挑戦に熱意を注いだと説明している。まず、自分自身を何かで制限し、そのアイデアと向き合うことが好きだからだ。このようなアプローチは、彼に多くの洞察を与える。次に、1本のレンズで撮影するには、綿密な計画、ロケーションの徹底した知識、そして各ショットのための創造的な技術的解決策の考案が必要だった。最後に、この決断は、発見と欲望をテーマにした成長物語に、一貫した適切なビジュアルトーンを創り出すのに役立った。
この映画での私の目標は観察だった——すべての瞬間を観察することだった。クック S4/i 35mm は、クローズアップには十分近く、キャラクター同士の関係や周囲の環境との遠近感を捉えるのに十分な広角だった。
クックへのインタビューでのサヨンブ・ムクディプロムのコメント
テイクを通じてカバー範囲を捉える
同様のミニマリスト的なアプローチの例として、ルベン・オストルンドの『逆転のトライアングル』がある。監督は一般的に、複数の角度に分割するのではなく、長いワンテイクを好む。噂によると、『逆転のトライアングル』の撮影現場では、1日1シーンしか撮影せず、長いテイクを好んだそうだ。俳優たちは同じシーンを10～15回繰り返し、繰り返すのではなく磨き上げていった。
もちろん、撮影スタイルをさらに抑制し、撮影監督クリストファー・ドイルのアドバイスに従うこともできる。チームから「シーンの最初のショットは？」と尋ねられると、彼は「すべてが最初のショットだ。最初のショット、2番目のショット、3番目のショットはない」と答える。これは、ヴェルナー・ヘルツォークの初期のアプローチと非常に似ているので、ついに元の場所に戻ったと言えるかもしれない。
あなたのカバー範囲の取り方は？
ただし、ここで触れていないカバー範囲の取り方は、まだまだたくさんある（pun very much intended）。
あなたの方法は？「オーバーシューティング派」、「もう1テイク撮っておく派」、それとも「制約が最優先派」？それとも、独自の方法を見つけた？
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特集画像：デニス・ヴィルヌーヴ監督の『ボーダーライン』（2015年）、ピーター・ジャクソン監督の『ロード・オブ・ザ・リング』（2001年）、ルーベン・オストルンド監督の『逆転のトライアングル』（2022年）の映画スチル。
