Suscribirse a Cómo se Hace
“Esto estuvo genial, vamos por la cobertura!” ¿Con qué frecuencia escuchas o dices esta frase en el set? ¿Alguna vez te has encontrado en la sala de edición sin suficiente material para completar la escena? ¿O, por el contrario, grabando de más, sabiendo que de todas formas descartarás la mitad de los ángulos en la postproducción? Claro que no hay un único enfoque correcto para la cobertura. Varía según la escena, la situación y las preferencias personales. Entonces, ¿cuándo vale la pena realizar una toma extra? ¿Qué puede realzar o, por el contrario, destruir? Analicemos a varios cineastas de nuestro tiempo y cómo abordan este tema, e intentemos encontrar las respuestas juntos.
El reconocido director de cine alemán Werner Herzog dijo una vez que ve la película terminada desarrollarse en su mente. En sus palabras, otros directores a veces no saben lo que hacen, por lo que posponen sus decisiones a la postproducción, y eso está bien; Pero no para Werner Herzog, porque «hay muchos aspectos esenciales -el ritmo de una película, la calidad de la actuación, el enfoque en el personaje equivocado- que no se pueden arreglar en la posproducción. Es mejor tomar las riendas en el set y hacerlo allí mismo».
Suena duro, ¿no? Sin embargo, hay algo de cierto en sus palabras. Al mismo tiempo, algunos directores discreparían y optarían por un enfoque diferente para la cobertura. Al fin y al cabo, hacer cine es arte, y el arte siempre es subjetivo. ¿Qué opciones hay?
Principios universales de la cobertura
Comencemos con algunos principios universales que se aprenden en la escuela de cine. En el curso de MZed sobre «Dirección de Movimiento», el director de anuncios y ganador del Premio Pulitzer, Vincent Laforet, nos guía a través de las ideas principales detrás de la cobertura.
En primer lugar, debería darte algunas salidas. Normalmente, nos esforzaríamos por planificar meticulosamente un rodaje siempre que fuera posible (dejemos de lado por ahora las películas de eventos o los documentales de viajes). El mejor escenario posible es cuando un director sabe cómo montar una escena antes de rodar, como en la cita de Werner Herzog. Pero las cosas no siempre salen según lo planeado.
El enfoque se distorsiona, los actores se equivocan al escribir, aparecen equipos de filmación en el plano, suceden multitud de cosas. Y la idea detrás de la cobertura es que si se filma una escena al menos tres veces seguidas y luego una inversa, siempre se tendrá suficiente material para encubrir los errores.
Una cita de Vincent Laforet del curso MZed
En segundo lugar, un enfoque de cobertura especialmente diseñado puede ayudar a aumentar la intensidad de la escena y hacerla más atractiva. Según una convención clásica, esto se logra pasando de un plano general a uno medio y luego a uno cerrado. Como explica Vincent, en un plano general se establece la geografía de la escena y se ayuda al público a orientarse en el espacio. En un plano medio, el enfoque se centra en un individuo en particular, presentándolo a los espectadores. Así, la cámara puede enfocar con mayor precisión, conectándonos con las emociones del personaje al mostrar sus ojos con mayor claridad.
Claro que es más una tradición que una regla establecida. Hay millones de maneras creativas y poderosas de romperla. Sin embargo, si estás empezando, abordar tu cobertura de esta manera podría ser la primera opción.
Abundancia dinámica en el enfoque de la cobertura
¡Bienvenidos! En el rincón de “sobreimpresión”, tenemos a… ¡Michael Bay! Empecemos con su ejemplo, ya que parece ser su estilo característico. El director de “Transformers” es conocido por rodar muy rápido y usar una orquesta de cámaras para capturar planos generales, medios, primeros planos, puntos de vista y mucho más simultáneamente (quizás exagero, pero es sólo para aclarar). Por ejemplo, en la serie de Netflix “6 Underground”, utilizaban hasta diez cámaras a la vez para secuencias de acción más extensas, según el director de fotografía de la serie, Bojan Bazelli. Utilizaron hasta ocho cámaras Red con diferentes lentes, además de cámaras de choque de formato pequeño como la GoPro Hero, la Sony a7s y el iPhone X.
Para escenas como esta, es necesario filmar desde múltiples ángulos en simultáneo, ya que implican acrobacias difíciles y efectos especiales que requieren mucho tiempo y dinero para reajustar. Además, cualquier coordinador de especialistas desaconsejaría repetirlos innecesariamente, ya que son peligrosos. Es parte del sentido común, y la mayoría de los directores estarían de acuerdo.
Pero a Michael Bay también le encanta introducir un enfoque multicámara en otras secuencias, ¿por qué? Para mantener la energía tanto en el set como en la postproducción. Las tomas cortas y eficientes ayudan a los actores a mantenerse en el momento, y los editores obtienen mucho material en bruto con el que experimentar. Es indiscutible que Michael Bay es famoso por su estilo de edición extremadamente dinámico (incluso lo llamaría visualmente sobreestimulante) y filmar mucho es lo que ayuda a lograrlo.
La ruta maximalista de la cobertura
Algunos dirán: “Bueno, ahora que filmamos digitalmente, podemos trabajar con la cobertura de forma más flexible”. Sin embargo, no se trata solo del tipo de datos y sus limitaciones. Hay otros cineastas legendarios que adoptaron un enfoque maximalista incluso en el pasado, en el cine. Un ejemplo destacado es Peter Jackson y su flujo de trabajo en la trilogía de “The Lord of the Rings”.
Quizás hayan oído hablar de su costumbre de rodar desde tantas cámaras y ángulos como fuera posible para garantizar la flexibilidad editorial. Además, en las filmaciones, Peter Jackson se hizo famoso por exigir numerosas tomas de escenas, gritando repetidamente “¡Una más para tener suerte!”. Cuenta la anécdota que Christopher Lee, quien interpretó a Saruman, comentó que tenía que hacer doce tomas para una escena. Más tarde, Ian McKellen (interpretando a Gandalf) le restó importancia, diciendo que había hecho 24 tomas para dos líneas el día anterior.
Así era Peter Jackson. Inusual para los actores, excesivamente perfeccionista y con demasiado amor por el detalle. Sin embargo, ¡fíjense en el legado que nos ha dejado este enfoque! Personalmente, puedo volver a ver la versión del director de “The Lord of the Rings” cada año y seguir encontrándola fantástica, cautivadora y visualmente hermosa. Es una auténtica obra maestra.
Resistiendo la tentación
Por otro lado, algunos directores prefieren imponer límites, y con razón. En el podcast “Team Deakins”, Denis Villeneuve explica cómo llegó a esta conclusión.
Estaba rodando una de sus primeras películas, “Incendies”. Hubo un momento al final de la película en el que los protagonistas -hermano y hermana- tuvieron una revelación tremenda (es el giro argumental más importante de la historia, así que no les arruinaré la sorpresa con detalles). En la escena, salen del edificio, y Denis recuerda haber capturado un maravilloso plano general. Expresaba a la perfección su sensación de estar perdidos y sentirse pequeños en este mundo enorme y aterrador. En ese momento pensó: “Eso es todo. Todo está ahí”. Y lo siguiente que recuerda fue decirle al director de fotografía: “Hagamos la cobertura”.
Me odié por eso. Hicimos otra toma y pensé: ¿Qué estoy haciendo? ¿Por qué lo estoy haciendo? Soy un cobarde. No sigo mis instintos. Nunca más.
Una cita de Denis Villeneuve del podcast “Team Deakins”
“Nunca más” se convirtió en su lema. Por eso, cuando ocurrió un momento similar en “Sicario”, se negó a cubrir la escena tras obtener una toma perfecta de un plano general. En concreto, esta (a partir del minuto 05:08):
En palabras de Denis, algunas cosas no se pueden traducir a un primer plano. En esta toma, vemos la vulnerabilidad del personaje en el entorno, ¡y su forma de moverse lo expresa todo! Es poderosa y significativa. Al mismo tiempo, el director explica que si hubieran optado por un primer plano más cerrado “por seguridad”, podría haberse visto obligado a usar también el primer plano. No lo filmó para evitar la tentación en la edición.
Es un enfoque audaz para la cobertura, sin duda. Requiere asumir el riesgo y confiar en los instintos. Pero hacerlo, se siente como adquirir un nuevo superpoder.
Un solo lente a lo largo de toda la película
Las limitaciones también pueden ser una poderosa herramienta para la creatividad. Te llevan a idear diversas soluciones para problemas que, con toda seguridad, surgirán en el set.
Tomemos como ejemplo “Call Me By Your Name” de Luca Guadagnino, de 2017. ¿Sabes qué hizo especial a esta película? Su enfoque minimalista en la cobertura. Guadagnino y su director de fotografía, Sayombhu Mukdeeprom, decidieron usar un solo lente durante toda la película: el Cooke S4/i 35mm de focal fija. Sin opción de cambio, sin saltos al gran angular, sin margen de error.
Como explica el director de fotografía, le entusiasmó aceptar este reto por varias razones. En primer lugar, porque le encanta limitarse a algo y darle vueltas a la idea. Este enfoque le proporciona una gran perspicacia. En segundo lugar, filmar con un solo lente requería una planificación meticulosa, un amplio conocimiento de las locaciones y la ideación de soluciones técnicas creativas para cada toma. Por último, pero no por ello menos importante, esta decisión ayudó a los cineastas a crear un tono visual consistente y adecuado para una historia de transición a la edad adulta centrada en el descubrimiento y el deseo:
Mi objetivo en esta película era la observación: intentar observar cada momento. El Cooke S4/i de 35mm era lo suficientemente cercano para los primeros planos y lo suficientemente amplio para encuadrar a los personajes en relación entre sí y en perspectiva con su entorno.
Cita de Sayombhu Mukdeeprom de la entrevista sobre el Cooke.
Abordar la cobertura a través de tomas, no de ángulos
Otro ejemplo de un enfoque minimalista similar para la cobertura es “Triangle of Sadness” de Ruben Östlund. El director generalmente prefiere obtener tomas individuales extensas en lugar de dividirlas en múltiples ángulos. Supuestamente, en el set de filmación, rodaban solo una escena al día y preferían las tomas largas. Los actores solían repasar la misma escena de 10 a 15 veces, refinándola en lugar de repetirla.
Ciertamente, puedes moderar aún más tu estilo de rodaje y seguir el consejo del director de fotografía Christopher Doyle. Cuando alguien del equipo le pregunta: “¿Cuál es el primer plano de la escena?”, responde: “Todos son el primer plano. No hay primer, segundo ni tercer plano”. Esto se parece mucho al enfoque de Werner Herzog, así que supongo que por fin hemos cerrado el círculo.
¿Cuál es tu enfoque para la cobertura?
Definitivamente hay muchas más maneras de abordar la cobertura que no hemos cubierto aquí (juego de palabras intencionado).
¿Cuál es el tuyo? ¿Eres de los que “se pasan de la raya”, “una toma más para la suerte” o “las limitaciones mandan”? ¿O quizás has encontrado tu propia receta especial? Comencemos este debate en los comentarios. ¡Nos encantaría conocer tu opinión!
Aclaración: MZed es propiedad de CineD.
Imagen destacada: fotogramas de “Sicario” de Denis Villeneuve, 2015; “The Lord of the Rings” de Peter Jackson, 2001; y “Triangle of Sadness” de Ruben Östlund, 2022.
