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最近、ポール・トーマス・アンダーソンの新作映画『ワン・バトル・アフター・アナザー』（One Battle After Another）を観た。そのストーリー、ユーモア、テンポ、サスペンスの展開、演技、そして撮影技術にすっかり魅了された。しかし、特に印象に残ったシーンがひとつあった。それは、映画の終盤にあるカーチェイスのシーンだ。そのシーンは、非常にユニークで、予想外であり、本能的に強烈だったため、映画史に残る他の象徴的なカーチェイスのシーンをもう一度見直して、それらがストーリーテリングや観客の感情にどのような影響を与えているかを分析したくなった。
私の記事を読んだことがあるなら、映像表現のファンだということはご存知だろう。つまり、映画製作者がショットサイズ、フレーミング、カメラワーク、照明などを、物語を強化し観客の潜在意識にインパクトを与えるためにどのような工夫をしているかに興味がある。だからこそ、私にとって良いカーチェイスとは、誰が誰を追い詰めるかだけではない。その展開の中で、私たちにどのような感情を抱かせるかだ。あるシーンではアームレストを握りしめ、あるシーンでは笑い、またあるシーンではダンスのリズムに合わせて体を揺らす。そして P.T. アンダーソンの場合、まるでカメラと一緒に回転しているかのように、私たちをめまいがするような気分にさせる。
現実的でありながらスリリングなカーチェイス
『ワン・バトル・アフター・アナザー』について詳しく見る前に、歴史を遡って、映画におけるカーチェイスの形を形作ったいくつかの古典的なシーンを見てみよう。もちろん、まずは 1968 年の『ブリット』から。スティーブ・マックイーンが、濃い緑色のフォード・マスタングでサンフランシスコを駆け抜ける追跡シーンは、確かに映画史上最高のカーチェイスシーンのひとつだ。
なぜ伝説的なのか？理由は数多いが、その一つはこのシーンが非常に地に足がついた、リアルな感覚を与えるからだ！CGもトリックも使わず、丘を飛び越える車、轟くエンジン、軋むブレーキ音だけ。音楽がないことで、さらに本物らしさが増す。映画製作者たちは、サンフランシスコでのロケ撮影、プロのドライバー、そしてスタントの多用によってこの全体的な効果を実現した。この一連のシーンの撮影には2週間を要した。
さらに注目すべきは、撮影技法と編集の連携だ。長焦点レンズを使ったパンと、車輪に近いローアングルが組み合わさり、路面の凹凸や危険なカーブを体感させる。肩越しの視点は没入感を高める。登場人物たちと同様に、丘の向こうに何が迫っているか突然見えなくなり、緊張感が増す。アカデミー賞受賞の編集は速いながらも混乱させず、各車の位置を常に把握できる。時折、アクションが終わった後もショットがわずかに残る。観客が息をつく間を与え、再び追跡劇へと引き戻すのだ。要するに、有名なカットは連続性を演出し、現実的な物理描写が危険感を伝える。だからこそこのシーンは今も通用する。地に足がつき、物理的で、スリリングだからだ。
カーチェイスの生々しいドキュメンタリー感覚
時は流れ1971年、ウィリアム・フリードキン監督の『フレンチ・コネクション』にも分析に値する名シーンがある。『ブリット』との共通点もある。同じ現実感と音楽の不在だ。当時有名なスタントドライバー、ビル・ヒックマンも起用されている。しかし『フレンチ・コネクション』の追跡シーンは、撮影と編集の手法が全く異なっている。ぜひ観て、その感覚を比べてみてほしい。
個人的には、観ているとコルチゾールが急上昇する。カメラは常に至近距離で、手持ち撮影のため揺れが激しい。車が擦り抜け、人々はかろうじて避け、追跡は無謀で制御不能に感じられる。まるで次の瞬間にも事故が起きそうなのだ。実際、このシーンはゲリラスタイルで、正式な許可なく、危険な実走走行で撮影されたのだ。フリードキンは確かに追跡シーンを設計し、俳優たちとのアクションを演出したが、カメラマンにはほとんど指示を出さず、「誘導されたドキュメンタリー感覚」を捉えようとした。予定外の事故も発生したが、監督はそれらを最終カットに残した。
後年、ウィリアム・フリードキンは撮影が命がけの無謀な決断だったと認めているが異論の余地はない。それでも、このシーンの生々しく未加工なエネルギーは観客の危険感覚を高め、まさにそれが象徴的な理由だ。
音楽的アプローチによる純粋な振り付け
まったく異なるものを見てみおう。これまでの例と2017年の『ベイビー・ドライバー』を比較してみよう。
なんというオープニングショットだろう。エドガー・ライトのアクションスリラーは古典的なカーチェイスに新たな解釈をもたらす。リアリズムを追求する代わりに、監督はこのシーンをほぼミュージカルナンバーのように仕立て上げた。ギアチェンジ一つ、ターン一つ、カット一つ一つがサウンドトラックに完璧に同期している。まるで車が街中を踊っているかのようで、自然と恐怖ではなく喜びの感情が生まれる。確かに我々観客は、登場人物たちが危険な行動の最中にあると理解している。だがその危険を実感することはできない。むしろ、制御された楽しさを感じる。スタイルとリズム、アドレナリンに満ちた強盗劇だ。
映画全体がカーチェイスであるとき
カーチェイスシーンを語る上で、『マッドマックス』シリーズ、特に『マッドマックス 怒りのデス・ロード』を無視することはできない。この映画は本質的に長大な追跡シーンであり、過酷な地形を舞台にした狂気の追走劇として「車輪の上の戦争」と形容されるのも妥当だろう。
驚異的な終末世界のプロダクションデザイン、衣装、特注車両はさておき、これらのシーンが圧倒的な理由は何か？それは実写撮影による手法にある。実車とスタントマンを多用し、サーカス・ドゥ・ソレイユのパフォーマーまで起用した。その驚異的なメイキング映像がこちらだ：
最初の二例と同様、実写撮影の手法がキャラクターたちの危機感をリアルに伝えている。このディストピア世界が現実ではないと分かっていても、身体はまるでその場にいるかのように反応する。結果として観客は視覚的に圧倒されつつ、完全にアクションに引き込まれるのだ。
車酔い必至のカーチェイス
さて、ここで『ワン・バトル・アフター・アナザー』の話に戻ろう。この映画は、まだ世界の一部の劇場で上映中であり、オンラインでクリップを見つけることはほぼ不可能だ。しかし、次の特集映像では、私が議論したい、長くサスペンスに満ちたカーチェイスの様子を垣間見ることができる（01:08 から）。
道路上の 3 台の車、そして映画館で体験した 100% の乗り物酔い。いや、本当に、このシーンを見てめまいがした。視覚的にも感情的にも、まさにジェットコースターのようなシーンだったからだ。アンダーソンは、道路の地形や視線を駆使して物語を伝え、緊張感を高め、登場人物たちの疑わしい選択について議論を喚起している。それは、単にスピード感を出そうというものではない。時には、カメラの動きは穏やかだったり、クレーンのように道路のすぐ上を滑るようにゆっくりと、道路の起伏に沿って移動したりもする。また、アクションがぎっしり詰まった、素早いカットをされたショットを使って、観客の注意を最高潮に保つこともある。
同時に、このような方法で実行されたカーチェイスは、これまで見たことがない。問題は、P. T. アンダーソンがこの道路を発見したとき、この特定の場所にインスピレーションを受けたのか、それとも、映画の核心にある道徳的なジェットコースターを反映するために、意図的に急勾配で曲がりくねったルートを探したのか、ということだ。それは今のところ未解決の問題だ。
その他の象徴的なカーチェイス
もちろん、映画には他にもカーチェイスの例がたくさんある。例えば、すべての操作が慎重に演出された、明快さのマスタークラスである「ローニン」や、狭いヨーロッパの路地で閉所恐怖症のような感覚を生み出す『ボーン・アイデンティティー』、絶え間ないストリートレースが繰り広げられる『ワイルド・スピード』シリーズなど、その例を挙げればきりがない。
それらを結びつけるのは、必要なスタント作業の量だ。だから、もし自分でカーチェイスを撮影するつもりなら、まず第一に考慮すべきは安全だ。過去にスタントコーディネーターとの連携方法や安全なスタント撮影のコツをまとめたことがある（詳細はこちら）。ただし、このテーマについてより深いガイドが欲しいなら、MZedコース「パンチを売る」への参加を検討してほしい。有用な情報やワークフローが満載だ（カーチェイスに特化した内容ではないが、スタント作業への一般的なアプローチを扱っている）。
まとめ
これまで、さまざまなシーンを考察してきた。しかし、これらの例にはすべて共通点がある。カーチェイスは、決して車だけの問題ではないということだ。ストーリー、リズム、視点、感情が重要な要素となる。サウンドデザインは、運転と同じくらい重要だ。カメラアングルの選択によって、観客は乗客のように感じるか、観察者のように感じるかが決まる。編集によって、アドレナリンが急上昇する感覚、あるいはリラックスした喜びや冒険の感覚が生まれる。そして、実際のスタントは、VFX よりも重要な役割を担うことが多い。
特集画像： ポール・トーマス・アンダーソン監督『One Battle After Another』（2025年）の映画スチール。
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