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音楽と音響は、映画や動画、さらにはソーシャルメディアのストーリーテリングにおいても不可欠だ。その制作手法には様々なアプローチがあり、我々は既に作曲家と音響デザイナーの協働を出発点として触れてきた。同時に、映像世界に音響的景観を導入する方法も無数に存在する。伝統的に、音はダイジェティック（劇中音）とノンダイジェティック（劇外音）に分類される。これらの難解な用語を初めて聞くなら、一緒に掘り下げ、音・音楽・効果音が如何に視聴者を物語へ深く引き込み、感情の質感を形作り、映画の外側世界とキャラクターの内面世界の境界を曖昧にするかを考察しよう。
音声が強力な物語の道具となる以前から、無声映画には生演奏の音楽家やフルオーケストラが伴奏していた。これは既に一種のスコアと言えるものだ。しかし問題は、我々が映画における音楽や効果音に慣れすぎてしまい、真の静寂が今やほとんど不安を覚えるほどに感じられるようになった点だ。だからこそ、沈黙自体が強力な表現技法となり得るのだ——ここで議論するこのテーマは深く考えさせられる。しかし音響において重要なのは何を置くかだけでなく、どのように配置するかという点だ——映画の世界観にどう組み込むかが鍵となる。
ダイジェティック音楽と音響
創造的な選択と物語への影響を論じる前に、基本用語を整理しよう。「ダイジェティック」から始めよう。ダイジェティックな音楽や音は物語の世界内に存在する。つまり登場人物たちの現実の一部であり、彼らが実際に耳にするものだ。車内で流れるラジオ、母親が赤ちゃんに口ずさむ子守唄、あるいは「世界的に有名な」ジャックラビット・スリムズでのツイストコンテストで流れる軽快な曲などだ：
『ピアニスト』（The Piano Teacher）では、ダイジェティックな音楽がプロットの重要な要素となり、転機となる。それは非人間的な世界で人間性を表現する。映画の終盤、ワルシャワの廃墟で飢えに苦しみ潜伏していたウワディスワフ・シュピルマンは、ドイツ軍将校ヴィルム・ホーゼンフェルトに見つかる。職業を問われ「ピアニストでした」と答えると、将校は埃まみれのピアノを指さす。シュピルマンは座り、ショパンの『バラード第1番ト短調』を弾き始める：
将校と観客の双方が耳にするこの音楽は、唯一の意思疎通手段となる——脆く、必死で、深く人間的な。ショパンの音は空虚な建物に響き渡り、言葉では表現しきれない全てを運ぶ。これがダイジェティック・サウンドの力だ。感情を現実に固定し、まるでその場にいるかのように感じさせる。登場人物と同じ緊張した空気を吸っているかのように。ピアニストにおいて、この音楽は文字通りシュピルマンの命を救い、慈愛と人間性そのものがなおも生き続けていることを我々に思い起こさせる。
非ダイジェティックな音楽と音
一方、非ダイジェティックな音楽は登場人物たちの世界の外側に存在する。それは観客である我々のためだけに存在する。典型的な例が『ジョーズ』（Jaws）におけるジョン・ウィリアムズのサメのテーマだ。シンプルだが強烈だ。批評家の中には「音楽史上最も恐ろしい二音」と呼ぶ者さえいる：
なぜこれほど強力で恐ろしいのか？それはサスペンスを生み出すからだ。この二音のモチーフは、登場人物が危険を察知するずっと前から観客に警告する。画面上の登場人物より多くの情報を知っている我々は緊張が高まり、息を詰めて待ち構える。そしてついに襲撃が来た時、鋭く、ほとんど身体的な解放感が訪れるのだ。
もちろん、音楽は観客に全く異なる効果をもたらすこともある。その技法は、私たちの感情的反応を微妙に形作り、物語の受け取り方を変えることにある。これを簡単に探る方法として、自分の映画や動画の任意のシーンを選び、異なるサウンドトラック（ファンキーなジャズ、憂いを帯びたオーケストラ、電子音楽など何でも）を組み合わせてみるのだ。いくつかのバージョンをエクスポートし、異なる人々に提示してみよ。非ダイジェティック音楽が、雰囲気やムードだけでなく、物語全体の意味をいかに劇的に変容させるかに驚くだろう。
メタダイジェティックな音――キャラクターの精神世界へ
当然ながら、ダイジェティック音と非ダイジェティック音の区別は常に白黒はっきりしているわけではない。その間には多くのニュアンスが存在する。一例がメタダイジェティックな音だ――キャラクターの内面世界、夢や恐怖、幻覚を表現する音楽や効果音のことだ。これらの音は観客だけに向けられたものではなく、物語内でも完全に「現実」とは言えない。それらは映画独自の映像的論理の中に存在する。遊び心のある例として、私のお気に入りのシットコム『scrubs〜恋のお騒がせ病棟』（Scrubs）のこのシーンを挙げよう：
波やカモメの鳴き声は、コックス医師の周囲で実際に起こっているわけではない。彼の想像の中にあるもので、彼の苛立ちや社交性の欠如を皮肉に投影したものだ。このようにメタダイジェティック音響は、主観的物語表現という新たな芸術への扉を開くのだ。
現実間の移行
さらに、こうした音響表現を単一に限定する必要はない。むしろ映画製作者は、ダイジェティックとノンダイジェティックの境界を曖昧にすることが多い。一つの手法は、ソース音源をそのままスコアとして流用することだ。私の見解では、これはシーンに音楽を導入する最も自然な方法でもある。例えば『トゥモロー・ワールド』（ Children of Men）のこの魂を揺さぶる瞬間を挙げよう：
女性の柔らかな歌声が、天使の合唱団のような軽やかで希望に満ちた音へとシームレスに移行する。この瞬間が物語にとって、そしてより広い感情的文脈においていかに重要かを強調している。
逆のケースもある。スコアがソースメロディとなり、キャラクターの世界の一部となるのだ。例えば『ラ・ラ・ランド』（La La Land）では：
この作品はミュージカルであるため、ジャンル定義上、ダイジェティック（劇中音）とノンダイジェティック（劇外音）の音響空間を駆使している。しかしこのシーンでは直接的な移行が見られる。柔らかなピアノのモチーフが、やがて主人公自身が演奏するものへと変化し、スコアと実演が見事に融合するのだ。
混在するダイジェシス
時に映画製作者は、音楽が登場人物のためか観客のためか、意図的に曖昧にさせる。壮大なサウンドトラックで知られるクリストファー・ノーランは、『インセプション』（Inception）でエディット・ピアフの「ノン、ジュ・ネ・レグレ・リアン」を特に巧妙に用いている。この曲はダイジェティックな合図——夢の層間でキャラクターが「キック」する信号——として機能すると同時に、観客向けの劇的で雰囲気を醸す要素としても働く：
この曖昧さは、現実と夢の境界が極めて薄いという映画の核心テーマを強化する。こうした音楽の扱いは、観客にとって感情と知性の両レベルで同時に作用する物語の架け橋となるのだ。
実践的な学び
これらの例を見ると、些細な選択さえもシーンを大きく変え得るということが明らかになる。物語を紡ぐ者として、各瞬間に音楽や音をどう配置するかを考えることは極めて重要だ。登場人物はメロディを聞いているのか、それとも観客だけに向けたものなのか？ 映像上の現実と体験される現実を分離したいのか、それともその境界を曖昧にして観客をさらに深く引き込みたいのか？
まだ試したことがないなら、学ぶ最良の方法は実験することだ。ダイジェティックな音でシーンを始め、徐々に感情を導くスコアへと発展させる――あるいはその逆を試してみると良いだろう。次のプロジェクトではメタダイジェティックな要素を取り入れ、キャラクターの内面を明かすか、あるいは非ダイジェティックな音楽を完全に排除して、それが作品にどう影響するか観察してみる。実験を重ねるごとに、物語作りの道具箱に新たなツールが加わるのだ。
画像：ダミアン・チャゼル監督『ラ・ラ・ランド』（2016年）とアルフォンソ・キュアロン監督『トゥモロー・ワールド』（2006年）の映画スチル。
追加情報源：
- MZed講座「シネマサウンド」
- ジェニファー・ヴァン・サイル著『シネマティック・ストーリーテリング』（2005年）。
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